Coup d’oeil sur le cinéma dans les collections de l’INA

L’INA FAIT SON CINÉMA

1 – Émissions autour de l’histoire du cinéma

Zoom sur : Les Archives sonores du cinéma français

2 – Causeries et débats autour du cinéma

3 – Jeux télévisés

4 – Entretiens et portraits

BRÈVE CHRONOLOGIE CINÉMA EUROPÉEN  ET AMÉRICAIN À TRAVERS LES FONDS DE L’INA

1 – De la naissance du cinéma à l’arrivée du parlant (1895-1927)

Les frères Lumière (1895)

Méliès (1896-1923)

Griffith et la forme narrative

Burlesque (1910-1940)

Premier film documentaire (1922)

Arrivée du parlant (1927)

2 – Quelques écoles ou courants esthétiques

Courant des montages soviétiques (1917-1929)

Expressionisme allemand (1920-1930)

Réalisme poétique (1930-1940)

Néoréalisme italien (1943-1955)

Nouvelle vague française (années 1950-1960)

Nouvel Hollywood (années 60-80)

Dogme95 (depuis 95)

3 – Quelques films internationaux à voir ou revoir des années 1980-2020

CLOSE UP SUR LES THÉMATIQUES

Cinéma et arts

Trucages et effets spéciaux au cinéma

Cinéma d’animation

Zoom sur : L’enfance au cinéma

Festivals (Cannes, FESPACO, FIFF, Festival d’Annecy, Festival premiers plans Angers)

Bandes annonces de films

Musique et cinéma à la radio

Métiers du cinéma

CLOSE UP SUR SUR QUELQUES CINÉASTES (Alfred Hitchcock, Xavier Dolan, Yasujiro Ozu)

IMAGES ET SON RARES

QUELQUES FONDS D’ARCHIVES ÉCRITES

L’ANALYSE DE FILMS AVEC L’OUTIL MÉDIASCOPE

Dans L’Imprimerie de la vie, Marcel Lherbier raconte la naissance du cinéma et comment il s’est développé pour devenir un art à part entière. Il commente des extraits de films des frères Lumière, de Méliès, Fritz Lang, Chaplin et d’Eisenstein et insiste sur le pouvoir des images en utilisant des archives des actualités de la guerre de 14-18. Sont également utilisées des images de Georges Clemenceau, d’André Malraux et de François Mauriac

Série de documentaires sur l’histoire du cinéma français depuis ses origines à la Nouvelle Vague. Document très riche composé d’interviews de cinéastes ainsi que divers extraits de films.

Exemples : Tu n’as rien vu à Hiroshima 1956-1961, 07.07.1975 ; L’âge d’or du film muet 1915-1928, 04.01.1996

Cette émission retrace l’histoire du cinéma français avec des documents d’époque, des bandes d’actualité, des extraits de films etc. Cette histoire du cinéma nous est racontée en voix off par Jean Rochefort.

Collection documentaire à base d’archives, en 6 émissions qui retrace les débuts du cinéma dans divers pays (la Grande Bretagne, la France, l’URSS, les Etats Unis, le Danemark, l’Allemagne)

Marie-Laure Augry fête le centenaire du cinéma avec son invité Claude Jean Philippe, réalisateur d’émissions télévisées et auteur de livres sur la cinéma. Entourés d’élèves d’un lycée de Melun, Claude-Jean Philippe y raconte ses premiers souvenirs de cinéma et explique l’invention du cinéma par les frères Lumière en répondant aux questions des lycéens. S’ensuit l’archive d’une interview de Jean Renoir et d’Henri Langlois sur le cinéma des frères Lumière.

Série documentaire en 4 épisodes, racontant l’épopée de la presse filmée cinématographique, grâce aux images cinématographiques et au témoignage des acteurs. Des interviews d’historiens et spécialistes enrichissent ce programme.

Série documentaire abordant dans chacun de ses volets un film emblématique d’une époque, d’une société. Serge July et Marie Genin revisitent des classiques du cinéma en revenant sur leur genèse et le contexte dans lequel le film a été réalisé et produit. Des commentaires sur extraits de films, images d’archives et photographies alternent avec des interviews.

Exemples : Il était une fois… La Haine, 23.02.2012 : interview de Mathieu Kassovitz et Costa Gavras en alternance avec des commentaires sur images du film et archives

Empreintes : la collection documentaire, France 5, pré Annick Cojean, 2007-2013, 120 émissions dont 25 émissions consacrées au cinéma, tranche horaire, 52 minutes

Cette collection documentaire présentée par Annick Cojean s’attache à mettre en mémoire des personnalités qui ont marqué notre époque, en tissant divers portraits. Chaque émission est consacrée à une personnalité et plusieurs émissions ont pour thème des personnalités du cinéma (Ex : Fabrice Luchini, Vincent Lindon, Georges Lautner…). Construite sur un principe de dialogue, cette collection a un objectif de rencontre. Les documents utilisés sont autant d’archives que de multiples entretiens.

Court métrage d’animation diffusé dans une tranche horaire consacrée au cinéma d’animation Est allemand mais surtout au réalisateur Heinrich Sabl dans un Spécial Heinrich Sabl et les marionnettes animées dans lequel on peut voir une brève approche de l’histoire du cinéma avec des références connues des cinéphiles. On y voit par exemple les escaliers d’Odessa. La première de ce film a eu lieu dans le cadre de la compétition internationale de la Berlinale en 1995.

Résumé producteur [Source : Arte] Lancée à l’occasion du Festival de Cannes, la collection documentaire Histoires de cinéma traverse les genres et les époques pour inviter à (re)voir les films sous un autre angle qui lie cinéma et littérature mais aussi cinéma et sexe, cinéma et pouvoir, faits divers etc.

Cinékino fait une histoire du cinéma centrée sur des moments importants du cinéma européen. Pays après pays et de manière éclectique, ce programme parcourt 120 ans de cinéma européen en 10 épisodes.

Résumé producteur [Source : Bulletin de presse et document d’accompagnement Arte] : De la Nouvelle Zélande du Seigneur des anneaux à l’Ecosse de Harry Potter, en passant par la Chine de Tigres et dragons et le Paris d‘Amélie Poulain, la série Terres de cinéma parcourt les paysages saisissants et les lieux de tournages spectaculaires de cinq des plus grands succès du cinéma. (…)

Contrepoint : cinéma muet, parlant, cinémascope, Documents, Paris Inter, pro Simone Dubreuilh, 07.12.1953, documentaire, 20 min

Une émission consacrée à l’histoire du cinéma et de ses inventions techniques (couleur, son, stéréoscopie, écran large etc.).

Plusieurs cinéastes célèbres donnent leur avis sur l’évolution du cinéma. Une archive de la voix de Méliès est utilisée. Il y raconte sa rencontre avec les frères Lumière ainsi que la façon dont il a vécu la première projection du cinématographe. Les 5 cinéastes Fred Orain, Abel Gance, Léon Poirier, Alexandre Astruc et Jean-Pierre Melville interviennent ensuite pour discuter de la façon dont ils perçoivent l’évolution du cinéma, s’il sera un art du relief, quelle place aura la mise en scène etc.

Les Chemins de la connaissance, France Culture (1977-2019)

Plus de 60 documents consacrés au cinéma

Série documentaire consacrée à « l’histoire de l’intelligence, de la recherche et des sensibilités humaines », Les Chemins de la connaissance développe un thème chaque semaine en le déclinant en plusieurs numéros. Chaque émission est constituée d’entretiens et d’extraits d’archives.

Thèmes autour du cinéma : Cinéma et ethnologie (juin 1979), Le désir d’Orient : le cinéma colonial (04/01/1996), Le Festival de Cannes (mai 2002), Roman policier et cinéma (juillet 2007), Histoire de l’histoire du cinéma (octobre 2007), etc.

Une Histoire du cinéma français, Les Nuits de France Culture, France Culture, pro Phillipe Esnault, Arnaud Laporte, 1995, 5 émissions, 2 heures

Philippe Esnault raconte l’histoire du cinéma, depuis les techniques de reproduction du mouvement, qui précèdent la naissance du cinématographe, jusqu’aux grosses productions des années 70 en passant par le rôle joué par les frères Pathé dans l’industrie du cinéma, le fonctionnement des premiers cinémas, l’arrivée du parlant, la censure, la politique des auteurs, la Nouvelle vague, etc.

Histoire de l’histoire du cinéma, Les Chemins de la connaissance, France Culture, pro Gabrielle Hachard, 2000, documentaire, série, 5 épisodes, 30 min.

Comment a-t-on raconté le cinéma et dans quel but ? Comment le cinéma en tant que discipline a-t-il évolué ? Ce sont les questions que pose Gabrielle Hachard dans son émission consacrée au cinéma.

Gabrielle Hachard : « Par-delà la chronologie et l’énumération des chefs-d’oeuvre une histoire technologique du cinéma, économique ou bien sociologique a vu le jour. Pour examiner les conséquences de ces nouvelles lectures, nous prendrons successivement l’exemple de la naissance du cinéma, du cinéma allemand et de la Nouvelle Vague.(…) »

Une Histoire du cinéma, Les nuits de France Culture, pro Jean Douchet, été 2007, série, 25 épisodes, 30min

Série d’émissions simples par réalisateurs, produites et présentées par Jean Douchet, spécialiste du cinéma.

Exemple d’émissions : Les frères Lumière, Méliès  23.07.2007;  Griffith  24.07.2007; Chaplin, Keaton  25.07.2007; Sjöstrom, Stiller  26.07.2007; Von Stroheim  27.07.2007 ; Eisenstein, Vertov 30.07.2007; Murnau 31.07.2007 ; Fritz Lang 01.08.2007 ; Dreyer 02.08.2007 ; Joseph von Sternberg  03.08.2007  Alfred Hitchcock  04.08.2007; Lubitsch, Pagnol, Guitry 07.08.2007;  Jean Renoir  08.08.2007 ;  John Ford  09.08.2007;  Orson Welles 10.08.2007 ;  Misogushi 13.08.2007 ; Yasujiro Ozu 14.08.2018 ;  Rossellini  15.08.2007;  Robert Bresson, Ingmar Bergman  16.08.2007; Luis Bunuel  17.08.2007 ; Vincente Minnelli, Max Ophuls  20.08.2007 ; Nicholas Ray 21.08.2007 Stanley Kubrick  22.08.2007 ;  Jean Luc Godard 23.08.2007 ; Et tant d’autres  24.08.2007

ZOOM SUR : Les Archives Sonores du Cinéma Français

Fonds clos, audio, constitué essentiellement d’entretiens, rushes non diffusés, avec des personnalités du cinéma français, enregistrés et collectés par Philippe Esnault (1930-2008, producteur à  France Culture depuis 1962 (Connaître le cinéma, Cinémagazine, Cinéromans, A Voix Nue, Salle de rédaction, Heure de culture française….), historien du cinéma, cinéaste et écrivain).

Ces entretiens ont été en particulier utilisés pour la série d’émissions d’été Cinéromans de Philippe Esnault, diffusée du 16 au 27 août 1982 sur France Culture.

Bande 35 mm – enregistrement d’un concert diffusé à la radio – photographe Louis Joyeux @INA

Ce fonds inédit, en cours d’inventaire et traitement, est constitué de 207 documents, 342 heures. Il couvre la période 1948-1995. Philippe Esnault interroge des personnalités emblématiques du cinéma français sur l’ensemble de leur parcours  personnel et professionnel. Les entretiens durent 1H30 en moyenne (des entretiens très longs avec René Clément 11H, Jean Dréville 6H,  Alberto Cavalcanti 3H, Jean Mitry 9H30, Claude Heymann 5H, Claude Autant-Lara 9H, Yves Allégret 6H30, René Clair 4H, Jean Delannoy 7H, Raoul Ploquin 9H30, Jean-Paul Le Chanois 10H…). On trouve aussi des extraits de films, chansons, journaux d’actualité, documentaires.

Philippe Esnault, photographe Dominique Gonot @INA

Philippe Esnault tente d’organiser la mémoire du cinéma français avec les  derniers témoins des différents courants cinématographiques, depuis l’apogée du muet jusqu’à la Nouvelle Vague.

• Ce fonds est un témoignage sur l’histoire du cinéma français depuis  ses débuts en 1895, le cinéma muet des années 20 ou l’Impressionnisme français, les films historiques muets, les débuts du parlant, l’âge classique  de 1930 à 1945, le cinéma français sous l’Occupation ou l’âge d’or,  et enfin le cinéma d’après-guerre.
• Il propose un éclairage sur  l’histoire des studios : La Paramount à Saint Maurice, Pathé-Frères à Joinville, La Victorine à Nice, Les Studios d’Epinay…. Le rôle économique et idéologique des  sociétés de productions  comme la Continental-Films, la Tobis-Klangfilm …Le rôle du COIC, Comité d’organisation de l’industrie cinématographique, sous Vichy (ancêtre du CLC et du CNC)
• Il évoque les conditions de tournage et de doublage
• Il offre des témoignages sur des personnages-clés tels que Prévert, L’Herbier, Gance, Feyder, Cocteau, Langlois, Gabin, Morgan, Arletty, Jouvet, Raimu, Fernandel…
• Tous les métiers du cinéma sont représentés avec les voix des producteurs, directeurs de la photographie, caméramans, scénaristes,  comédiens, assistants, critiques de cinéma, bruiteurs, monteurs, décorateurs, documentaristes…
• Il est le reflet des évolutions techniques et artistiques depuis les débuts du cinéma

Voir aussi le fonds L’Image et la mémoire, déposé à la BnF

Cette revue constitue un modèle  pour de nombreuses revues critiques en traitant le cinéma comme un art à part entière au même titre que la littérature ou le théâtre, ce qui était peu le cas auparavant.

Pierre Leprohon explique comment le cinéma est progressivement né, évoquant ses débuts puis les premières techniques cinématographiques, l’arrivée du parlant, etc.

Considéré par l’éditeur Denoël comme une véritable Bible pour les cinéphiles, ce célèbre ouvrage de Georges Sadoul divisé en cinq tomes reprend des éléments clés de l’Histoire du cinéma. Dans le premier ouvrage, il fait l’histoire de la genèse du cinématographe en passant, entre autres, par les inventions de Muybridge, Edison, Marey, Reynaud. Dans le tome 2, il explique les trucages de Méliès, le mouvement américain par Blackton aux Etats-Unis, la naissance du dessin animé, l’arrivée du producteur Charles Pathé. Dans le tome 3, il montre comment l’Amérique prend la première place dans l’industrie du cinéma, remplaçant la France. Dans le tome 4, il explique comment le cinéma finit par être exploité dans le but de propagande politique et sociale, notamment avec Naissance d’une nation de Griffith. Il raconte aussi les débuts des cinéastes reconnus comme Abel Gance et Charlie Chaplin. Enfin, dans le tome 5, Georges Sadoul fait un vaste panorama du cinéma muet à travers l’Europe (selon l’éditeur Denoël), en présentant des grands metteurs en scène de l’époque comme Jacques Feyder, Marcel Lherbier, Protanazov, Fisenten, Lubitsch et Fritz Lang.

Ce périodique rassemble des articles expliquant l’intime lien du cinéma à l’Histoire, comment on s’est servi du cinéma pour faire l’Histoire ; c’est à dire, les liens entre l’histoire et le cinéma, entre la propagande et le cinéma, la révolution française vue par le cinéma allemand, etc. Il y est aussi question de sémiologie du cinéma, de l’histoire du cinéma, de sa naissance avec les premiers films, des films de montage, de Méliès etc.

Résumé éditeur : « Trois cents ans de cinéma – c’est le titre repris de l’un des nombreux articles d’Henri Langlois. (…) Toute son existence fut consacrée à une passion absolue et intransigeante : sauver les films de la destruction,  les sortir de l’oubli, les montrer pour tisser le fil de l’histoire du cinéma par-delà le temps et les frontières, établir un pont entre les pionniers et les cinéastes de demain. (…) Trois cents ans de cinéma reprend les plus importants de ses articles. De longueur et de nature très diverses, ils sont consacrés aussi bien à l’histoire du cinéma et aux vicissitudes de la Cinémathèque française, qu’à des écoles nationales ou à des personnalités marquantes du cinéma ».

Résumé éditeur : « Tout se passe comme si l’histoire du cinéma traversait, de temps en temps, des périodes d’intense ébriété créatrice  au cours desquelles des cinéastes se retrouvent, provisoirement, autour d’un programme esthétique ou thématique. Objectif, presque toujours : rompre des lances avec le  cinéma de papa, des commerçants ou des gouvernements, de l’académisme et de la convention, pour proposer une nouvelle vision du cinéma, du monde et de la vie. (…) Trois petits tours et puis s’en vont : la nouvelle école dure en général, sinon ce que durent les roses, du moins rarement plus de cinq, dix, quinze ans. (…) Ce numéro propose une présentation pédagogique de quinze de ces écoles pour l’édification des nouvelles générations et pour l’utilité des enseignants. (…) »

Résumé éditeur : « Pourquoi et comment faire de l’histoire du cinéma ? C’est la question que traite cet ouvrage qui n’est ni un résumé d’histoire du cinéma, ni une tentative pour saisir l’histoire générale à travers les films. L’histoire du cinéma en effet est souvent peu considérée par les historiens, même lorsque ceux-ci utilisent les films comme documents historiques. Elle sait pourtant être rigoureuse quand elle adopte les principes, brièvement exposés ici, qui règlent la recherche en histoire. (…) »

La collection Ring organise des débats sur les thèmes d’actualité du jour avec les meilleurs spécialistes et les grandes signatures de la presse.

L’émission consacrée à l’Enfer d’Henri Georges Clouzot accueille Serge Bromberg, producteur et auteur du livre Les images inconnues du film inachevé d’H.G Clouzot (Albin Michel) ; Jacques Douy, décorateur de cinéma ; Serge Toubiana, directeur général de la cinémathèque française de 2003 à 2016 et Evangéline Barbaru, responsable de la rubrique cinéma pour les JT de TF1. Il est question du film inachevé de Clouzot que Serge Bromberg a étudié dans son documentaire L’Enfer d’Henri Georges Clouzot (également consultable à l’INA thèque). Il est également question de d’autres films qui ont connu un moment difficile dans l’histoire du cinéma.

Luc Lagier, grand cinéphile, et aimant jouer avec le montage, réalise de courtes émissions dans lesquelles il présente en voix off un cinéaste ou une thématique, montant des scènes qui communiquent de manière très précise. « Un regard ludique et décalé sur le cinéma » d’après le site web d’ARTE.

Cette émission pose la question de l’engouement pour la saga Star Wars dont le 7^ème épisode vient de sortir sur les écrans européens, avec comme invité Thomas Snegaroff, historien et directeur de recherche, auteur de Je suis ton père, la saga Star Wars l’Amérique et ses démons (Naïve) et Renan Cros, enseignant à l’université Paris Diderot, critique à Cinéma Teaser.

Résumé producteur [Source iMedia] Sabine Quindou donne la parole aux citoyens grâce à une plateforme numérique et à une application mobile dédiées, elle propose aussi aux invités présents en plateau de débattre et surtout de réagir à ces contributions venues des territoires d’Outre-mer.

Dans ce numéro, Sabine Quindou reçoit dans une première partie Catherine Ruggeri, présidente suppléante de la commission de classification des films, Justine Altan, directrice de l’association e-enfance et Gilles-Marie Valet, pédopsychiatre, pour répondre aux questions des internautes sur la protection de l’enfance et de la jeunesse face aux scènes de sexe au cinéma et à la télévision. Cette émission est consacrée à étudier la façon dont on protège juridiquement les mineurs des scènes de sexes et de violence, et à savoir à quel âge l’enfant peut choqué par des scènes de ce genre.

Documentaire consacré à  l’affaire Weinstein à l’automne 2017, aux témoignages d’actrices pour harcèlement sexuel, agressions sexuelles et viols dans la mouvance #Metoo. Ce documentaire pose également la question de la place des femmes dans le cinéma et leur considération. Jane Fonda, Anne Hathaway et d’autres personnalités s’expriment sur cette actualité.

Des professionnels, artistes et journalistes débattent sur des sujets problématisés. Exemples : Le Film sur l’art trahit-il l’art ?  (29/01/1952), Faut-il faire du cinéma pour les enfants ?  (24/05/1949),  Qui est l’auteur d’un film ?  (20/02/1946),  Le cinéma et l’éducation sexuelle  (27/06/1951), Le cinéma instrument de culture populaire (19/07/1946), La télévision tuera-t-elle le cinéma ? (03.03.1947)

Débat entre les journalistes sur la diffusion de films et sur la necessité d’une censure. Pour qui censure-t-on ? Quel rôle doivent jouer les réalisateurs ? Tout le monde peut-il se rendre au cinéma ? Sont les questions sous-jacentes de ce débat.

Faut-il faire des films pour les enfants ? Paul Peronnet anime le débat, entouré de : Pierre Laroche, scénariste, André Vigneau, réalisateur, Georges Altman, critique de cinéma André Carre, ancien secrétaire général du scoutisme français, André Basdevent, de la direction de la Jeunesse et des Sports. Il est question, entre autre, dans ce débat, du danger du cinéma pour la jeunesse, du rôle éducatif des films, de ce qu’aiment les enfants, des films joués par des enfants et de la rentabilité des films pour enfants.

Paul Guimard mène le débat entre Marcel L’Herbier, Jean Gremillon, Henri Jeanson, Pierre Laroche et Claude Autant Lara sur la question “qui est l’auteur d’un film ?”  Avec le développement du cinéma parlant, le scénariste prend un rôle important et peut disputer la paternité de l’oeuvre cinématographique au metteur en scène. Chaque invité donne son avis en s’appuyant sur des exemples de films (Pépé le Moko, La vie de Bohème, Boule de suif); l’importance de l’industrie cinématographique dans un contexte de redressement économique de la France.

Magazine hebdomadaire de la critique cinématographique, théâtrale ou littéraire créé en janvier 1956 et toujours à l’antenne. Chaque émission est enregistrée en public et traite d’un seul thème avec des journalistes invités qui font leurs critiques, pertinentes et souvent caustiques, sur l’actualité du domaine concerné. Le Masque et la Plume est présenté par François Régis Bastide et Michel Polac jusqu’en 1970 puis par François Régis Bastide seul jusqu’en 1982. Puis c’est Pierre Bouteiller qui lui succède jusqu’en octobre 1989, relayé alors par Jérôme Garcin. Quelques émissions spécifiques reçoivent parfois un auteur, un réalisateur, ou un acteur. Ces débats sont célèbres et ont été marqués notamment par les joutes oratoires du duo Jean Louis Bory – Georges Charensol autour d’une sélection de films récemment sortis en salle de cinéma.

Faut-il sauver Le cinéma français ?, Le grand débat, France Culture, pro Patrice Gélinet, 19.07.1993, 1 heure

Au sujet d’une possible crise du cinéma français, en regard à la baisse de la fréquentation des salles à cause de la télévision notamment. Cette émission traite de façon économique la possible crise du cinéma français, interrogeant l’offre du cinéma français par rapport au cinéma américain, la concurrence de la télévision, l’offre des producteurs et distributeurs indépendants, etc.

Magazine de reportages dont une vingtaine  de sujets reliés au thème du cinéma, approché sous un angle sociopolitique.

Thèmes : Les Cinéastes du réel ou l’humilité du regard (18/03/1995), Y-a-t-il une crise du cinéma en France ? (03/09/1988), A quoi servent les impresari ? (27/05/1989), Le physique de l’emploi ou être figurant (19/03/1994), Le Cinéma documentaire et le monde arabe (06/07/1996), etc.

[Résumé producteur] : Le Cinéma l’après-midi se propose de rendre compte de l’actualité du cinéma en donnant la parole à un petit club de cinéastes. Chaque samedi, trois ou quatre d’entre eux se retrouveront pour débattre de deux ou trois événements (sorties de films, livres, festivals) et, selon leur envie, présenter un coup de coeur de leur choix. Ni débat entre critiques, ni entretien avec un réalisateur sur son propre travail, l’enjeu est de susciter un regard différent sur le cinéma : celui d’artistes eux-mêmes engagés dans une démarche de création et qui confrontent leurs visions. Le pari est que leur angle d’approche diffère de celui de la critique et que leur amour du cinéma s’exprime d’une autre manière que dans leurs films.  Bien plus qu’à leur jugement, nous en appelons à leur complicité. Parler de ce qu’ils aiment avant tout et qu’à travers cet amour transparaisse le mouvement d’un esprit créatif, ce qui le touche, l’inspire.

Membres du club : Mathieu Amalric, Lucas Belvaux, Catherine Breillat, Emmanuel Finkiel, Nicole Garcia, Philippe Grandrieux, Tonie Marshall, Claude Miller et Marie Vermillard.

A l’issue du Festival de cinéma et de télévision de Ouagadougou, Fespaco, Mimi Dialo, comédienne et productrice ; Christian Lambert, à l’origine du Cinéma Numérique Ambulant (CINA), qui porte des films au Niger, au Bénin et au Mali ainsi que Gaston Kaboré, réalisateur de l’institut de formation Imagine et professeur camerounais d’histoire et de sciences politiques débattent sur la production cinématographique africaine. Il est également question du festival panafricain Ouagadougou et de la victoire de Drum de Zola Maseko, réalisateur sud africain.

Dans ce magazine, Stéphane Bou et Jean Baptiste Thoret débattent sur des sujets spécifiques de manière critique tout en faisant, à leur manière, une histoire ludique du cinéma. Des spécialistes viennent partager leurs connaissances sur un thème précis. Des extraits d’archives sonores alimentent le débat.

Exemples d’émissions : Sommes-nous tous des zombies ? 09.07.2012 ; Y a-t-il un meilleur film d’Hitchcock ? 11.07.2012 ;  Savons nous écouter la musique de film ?  13.07.2012 ; De Blow up à Blow out, de quoi les images sont-elles coupables ? 18.07.2012 ; A quoi servent les nazis au cinéma ?  31.07.2012 ; Le cinéma porno fait-il encore bander ?  03.08.2012

Débat sur l’actualité cinématographique, présentation des films qui sont ou vont être prochainement à l’affiche. En partenariat avec Télérama et le Figaro magazine.

Pierre Tchernia est le présentateur de ce jeu qui succède à Septième art, septième case et dont les candidats doivent faire valoir leur culture cinématographique en devinant des films et en répondant à des questions. Une personnalité du cinéma (acteur, réalisateur, compositeur) est présente à chaque numéro pour faire la promotion de son film à l’affiche.

Pierre Tchernia anime cette émission de divertissement composée de séquences de discussions entre les personnalités du cinéma invités sur le plateau, et, des séquences de jeu départageant des équipes représentées par les invités. Il s’agit de répondre à des questions et trouver le nom d’un film ou d’une personnalité à partir de documents filmés ou photographiques.

Quatre candidats sont soumis à 24 questions qui tournent autour de l’actualité du cinéma, sorties en salles, sorties DVD de films récents ou anciens.  « 24 ½ » est le chiffre se situant entre le nombre d’image par seconde du cinéma et de la télévision. Les 24 questions, inspirés par les bande-annonce, sont réparties en six questionnaires de quatre questions. La bande-annonce d’une sortie en salles ou en DVD d’un film récent ou plus ancien fournit la thématique de chaque questionnaire. Les questions portent sur le réalisateur, les acteurs, des extraits ou d’autres éléments du film choisi. Le niveau de difficulté est croissant pour chaque série de questions.

[Résumé producteur source iMedia] : « Le nom d’un comédien est proposé aux deux candidats de ce jeu cinéphilique. Ceux-ci doivent citer tour à tour le plus grand nombre de films dans lesquels ce comédien tient un rôle principal ou secondaire. Deux personnalités du 7ème art, le plus souvent des acteurs, assistent chaque candidat. (…) »

Thèmes et variations du cinéma, 2^ème chaine (1966-1970), 25 documents

L’émission est constituée d’extraits de films et d’interviews réunis autour d’un thème et déclinés à partir d’une œuvre ou d’un cinéaste. La collection est produite par Armand Panigel.

Sujets : Les docteurs Mabuse (29/05/1967), Adapter Emile Zola (29/04/1968,  Ceux de 14-18 vus par le cinéma (18/11/1968), L’enfance au cinéma (19/05/1969), Roméo et Juliette (10/11/1969)

Le Petit cinéma de Georges de Caunes, 2^ème chaine (1970), 5 documents

Série de cinq émissions d’entretiens avec des actrices françaises, interviewées par Georges de Caunes : Marie-France Pisier, Marthe Keller, Catherine Jourdan, Elisabeth Wiener, Cathy Rosier. Des extraits de films accompagnent la conversation.

Vive le cinéma, 2^ème chaine (1972-1973), 11 documents

Produite par Janine Bazin et André Labarthe, l’émission reçoit chaque mois une ou plusieurs personnalités du cinéma.

Invités : François Truffaut, Michel Serrault, Jean-Claude Brialy (13/02/1972), Jeanne Moreau (26/03/1972), Lucien Bodart (30.04.1972), Remo Forlani (28/01/1973), etc.

Cinéma cinémas, 82 épisodes, Antenne 2, pro Anne Andreu, pro Michel Boujut, pro Claude Ventura, 19.01.1982, magazine, 1 heure

Magazine cinématographique composé de plusieurs séquences sans plateau à l’éclectisme résolu : entretiens, hommages, extraits de films, tournages, documents d’archives, lettres de cinéastes.  Périodicité mensuelle, le mardi au début, puis le dimanche, et enfin le samedi pour les quatre dernières, toujours en deuxième partie de soirée. La série s’achève après 82 numéros en juin 1990 et renaît en novembre de la même année sous le titre de Cinéma Cinémas deuxième.

Cinéma de notre temps, Arte (1993-2003), réa Janine Bazin, André Sylvain Labarthe, documentaire, portraits, série, 56 documents

Série de portraits à base d’entretiens et montages d’archives de cinéastes ou réalisateurs : Pasolini l’enragé  (09/04/1993), The Scorsese machine (31/10/1993), Imamura le libre penseur (12/04/1995),  Dialogue entre Fritz Lang et Jean-Luc Godard (11/01/1995), Melville : portrait en neuf poses (28/06/1996), Bresson ni vu ni connu (23/04/1997), Ari Kaurismaki l’irréductible (18/07/2001), etc. Remontage de “Cinéastes de notre temps“

100 ans de cinéma, Arte (1995), documentaire, portraits, série, 25 documents

Collection produite à l’occasion du centenaire du cinéma, se situant entre le documentaire et le portrait. Le principe : un cinéaste fait découvrir le cinéma de son pays.

Thèmes : Tipically British : le cinéma britannique par Stephen Frears (14/04/1995), Le cinéma japonais par Nagisa Oshima (21/04/1995), Le cinéma allemand par Edgar Reitz (30/04/1995), Un voyage avec Martin Scorsese à travers le cinéma américain (29/05/1995) etc..

Rencontres de cinéma, Rencontres, Canal +, pré Laurent Weil, 30.08.2009, 18 minutes

Laurent Weil interview des personnalités qui font l’actualité cinématographique. Alternent avec l’interview des extraits de films et de bande annonce.

Jean Amouche s’entretient avec différents invités : René-Georges Clouzot (25/02/1950), Edgar Morin pour Le Cinéma et l’homme du XXème siècle (01/12/1956), Vittorio De Sica (31/03/1951), Robert Bresson (10/06/1950), La Filmologie (21/10/1950), etc.

Série d’entretiens avec le cinéaste René Clair produite par René Charensol et Roger Régent, avec la participation de Gérard Philippe, François Perrier…

Produite et présentée par Claude-Jean Philippe, l’émission est constituée d’entretiens ou de portraits de cinéastes et de figures marquantes du milieu du cinéma : François Truffaut (01/02/1976), Jacques Demy (22/02/1976), Benoît Jacquot (25/04/1976), Jean-Luc Godard (11/07/1976), Henri Langlois (23/01/1977), Jacques Tati (17/04/1977), Jean Rouch (26/03/1978), Eric Rohmer (25/02/1979), Maurice Pialat (09/09/1979), etc.

Entretiens-portraits de cinéastes, auteurs, comédiens, réalisateurs, etc.

Exemples : René Clément (17/05/1997), Roman Polanski (07/12/1996), Youssef Chahine (22/11/1997), Anna Karina (31/01/1998), Jean Rochefort (12/12/1998), Olivier Assayas et Catherine Deneuve (15/05/1999), Bertrand Blier (14/07/2003), etc.

Collection documentaire. Des spécialistes apportent des éléments de réflexion et d’explications sur un thème décliné en plusieurs épisodes.

Thèmes : Les salles de cinéma  (mai 1989), Fellini Mondo  (mai 1990), Le jeune cinéma français  (mai 1991), Le cinéma des premiers temps  (juillet 1995), La Victorine en nuit américaine  (mai 1999), etc.

Emission produite et présentée par Serge Daney, qui s’entretient avec des cinéastes invités à expliquer leur démarche, leur travail, leurs œuvres, leurs influences etc. (Barbet Schroeder, Eric Rohmer, Jean-Pierre Mocky, Otar Iosseliani…), etc.

Série produite et présentée par Michel Boujut, qui s’entretient avec des personnalités du cinéma aux sujets de films inachevés, de projets cinématographiques rêvés, avortés, censurés ou inaboutis : Autour du projet de « L’Enfer » de Clouzot  (09/08/1994), Autour du projet « Air pur » de René Clair  (18/08/1994), Autour du projet « Jésus de Nazareth » de Carl Dreyer  (29/08/1994), etc.

Portraits-entretiens produits par Michel Boujut et diffusée durant l’été 1999. Chaque numéro s’intéresse à la vie et l’oeuvre d’un réalisateur : Bertrand Blier, Jacques Tati, Jean-Luc Godard, Bertrand Tavernier, Jacques Becker et Claude Sautet.

Série proposée par Serge Toubiana et Nicolas Saada consacrée aux entretiens qu’Alfred Hitchcock a partagé pendant une semaine avec François Truffaut en août 1962, alors qu’il achevait son 48^ème film Les Oiseaux. Le cinéaste américain évoque toute son œuvre et sa carrière avec son confrère.

Magazine mensuel produit par Serge Toubiana, consacré au cinéma et construit à base d’archives et d’entretiens. Il s’agit la plupart du temps de dresser un portrait-documentaire de réalisateurs ou, quelquefois, d’aborder un thème plus large, moins personnalisé sur un auteur particulier.

Sujets : Comment Eric Rohmer filme l’Histoire (16/09/2001), Qui êtes-vous Jacques Rozier ? (11/11/2001), Maurice Pialat (30/06/2002), Quand le cinéma s’expose (14/04/2002), Le Cinéma à l’heure du numérique  (26/02/2003), Autour de Louis Malle  (26/03/2003), etc.

Frédéric Bonnaud et Rebecca Manzoni consacrent une heure d’entretien à leur invité, personnalité ou professionnel discret ayant côtoyé une figure de la création cinématographique : David Lynch, Serge Daney, Jean Eustache, Maurice Pialat, etc.

Série d’entretiens présentés d’abord sous la forme d’un dialogue entre un cinéaste et un technicien avec lequel il travaille (Youssef Chahine, Tony Gatlif, Pierre Salvadori, Albert Dupontel, Alain Corneau…) afin d’explorer l’univers de la fabrication d’un film (son, montage, scénario, tournage…).

Guillemette Odicino reçoit des invités et discute de cinéma, utilisant des archives sonores et de films pour illustrer ses propos.

Décrite comme « l’encyclopédie vivante du cinéma » dans le générique de l’émission, et comme « une heure qui fait rimer la connaissance cinéphilique, et le plaisir de la découverte, pour les initiés comme pour les novices » dans la description qu’en fait France Culture.

Ex : B comme André Bazin, 15.12.2018 ; M comme Hayao Miyazaki, 22.12.2018 ; B comme John Boorman, le romantique ironiste,  12.10.2019 ; Filmer l’invisible, 10.12.2016

325 épisodes, 1 heure 30 minutes

Montage d’entretiens menés par Michel Cazenave ou un producteur différent, sur un thème ou un cinéaste précis, extraits de bandes-son de films, d’archives.

1minute 16’’

La mort d’Auguste Lumière est annoncée et pour l’occasion, des extraits de ses films sont montrés et on commente son activité et son importance dans le cinéma

Emission de Pierre Tchernia sur le thème de l’arroseur arrosé et présentation d’une courte histoire de la naissance du cinéma suivie du fameux sketch des frères Lumière L’Arroseur arrosé. Ensuite sont présentés des sketchs sur le thème de l’arroseur arrosé pour rendre hommage aux frères Lumière.

A l’occasion du centième anniversaire du cinéma, rétrospective des films du catalogue des “Vues pour cinématographe” d’Antoine Lumière et de ses fils.

Chaque jour du 1^er janvier au 31 décembre est diffusé un court métrage d’une minute environ, noir et blanc et muet, tourné à la fin du 19ème siècle. Ces films reflètent la vie de l’époque en France et à l’étranger.
Un commentaire anecdotique et historique a été enregistré spécifiquement pour la diffusion.

A propos de l’exposition consacrée aux frères Lumière : Visite guidée de l’exposition intitulée Et les Lumière furent ! au Grand Palais à Paris. Commentaire sur des images d’archives en alternance avec des images de l’exposition et des interviews de Thierry Fremaux, directeur de l’institut Lumière à Lyon, et de Jacques Gerber, commissaire de l’exposition.

Dans cette émission est racontée l’histoire des débuts du cinéma, notamment avec le récit des inventions des Frères Lumières.  Y sont utilisées des archives INA des voix de Georges Méliès, René Dary, Musidora, Abel Gance, Henri Langlois

Émission autour de la mort de Louis Lumière le 6 juin 1948. Emission composée à base d’archives et de musique.

Emission sur la Naissance du cinéma avec un entretien de Madeleine Malthête Méliès, la petite fille de Georges Méliès.

Le cinéma des frères Lumières, Projection privée, pro Michel Ciment, France culture, 30.05.2015, 1 heure

Emission autour de l’exposition  Lumière ! le cinéma inventé  qui a eu lieu au Grand  Palais à Paris du 27 mars au 14 juin 2015. Sont invités Thierry Fremaux et Jacques Gerber, les commissaires de l’exposition. Cette exposition relate les diverses inventions qui précèdent et succèdent à l’invention du cinématographe des frères Lumière. À travers le récit de ces inventions (notamment celles d’Edison et de Méliès), cette exposition relate l’Histoire du cinéma et de sa naissance. Il s’agit aussi de questionner l’enjeu de la restauration et de la conservation des films

Au pays des Lumière, Bernard Chardere, sous la coordination de Thierry Frémaux et Bertrand Tavernier, Edition Actes Sud, 1995, livre illustré de photos, 117 pages

L’Institut Lumière est créé en 1982 et célèbre la Naissance du cinéma. L’éditeur cite Louis Lumière qui prononça à la fin de sa vie : “Le cinéma amuse le monde entier. Que pouvions-nous faire de mieux et qui nous donne plus de fierté ?”. Ce livre retrace les premières inventions liées au cinéma, de l’invention du mouvement vers les premières projections de films, en passant par la Camera obscura, les lanternes magiques, Muybridge et Marey, les inventions des trois membres de la famille Lumière etc

Les frères Lumière : l’invention du cinéma, Jacques Rittaud-Hutinet, Edition Flammarion, 1995, 391 pages.

Biographie des frères Lumière et de leur père dans laquelle est racontée leur tempérament, leur rythme de vie et comment ils ont été amenés à réaliser toutes ces inventions. Jacques Rittaud-Hutinet nous livre de véritables anecdotes et fascine le lecteur avec les inventions des frères Lumière en utilisant un certain suspens dans la narration de la vie de la famille Lumière.

Méliès l’enchanteur, livre de Madeleine Malthête-Méliès, donne son nom à l’émission. Roland Mehl interviewe Madeleine Maltête Méliès, qui évoque les souvenirs qu’elle a de son grand père, Georges Méliès, les débuts du cinéma lorsque ce dernier inventait le spectacle cinématographique avec ses différents trucages. A l’appui de cette discussion, des extraits de petits films de Méliès sont montrés. On peut voir Le Magicien, La Dislocation extraordinaire, L’Homme-orchestre, L’Homme à la tête de caoutchouc, Le Brahmine et le papillon, Le Couronnement d’Edouard VII, La Fée carabosse, Le Chaudron infernal. Sont aussi montrés des photographies de Georges Méliès, des gravures du théâtre Robert Houdin, des dessins de Méliès, des photos de tournage, etc.

Série de courts métrages  français en noir et blanc et en couleurs, réalisés par Georges Méliès : Le Royaume des fées, en 1903 ; Le Chevalier mystère, 1899 ; L’Antre des esprits, 1901 ; Le Tonnerre de Jupiter, 1903 ; Les Cartes vivante, 1905 ; Le Chaudron infernal, 1903. Illustration : le Royaume des fées de G.Meliès

Le professeur Barbenfouillis entreprend d’effectuer un voyage dans la lune. Après avoir présenté le chantier de ce projet, il se rend dans la Lune accompagné de 6 savants. Là-bas, il rencontre d’étranges habitants qu’on appelle les Sélénites.

Archives sonore de la voix de Méliès, dans Archive : Georges Méliès à propos de l’invention des frères Lumière,  chaine non déterminée, 1945,  3 min

Georges Méliès explique sa rencontre avec Louis Lumière, comment ce dernier vient le croiser dans les escaliers alors qu’il était directeur du théâtre Robert Houdin. Louis Lumière se rendait voir Clément Maurice qui sera plus tard son opérateur. Il demande à Méliès d’assister à la projection, supposant que le spectacle devrait plaire à quelqu’un qui aime les trucages et qui aime étonner le public. C’est ainsi que Méliès assista à la naissance du cinéma. Documents prêtés par Madeleine Malthete Méliès.

A la rencontre de Georges Méliès avec Madeleine Malthète Méliès, , Emmenez-moi, France Inter, jou Brigitte Patient, 21.05.2012, 5 min

Résumé producteur [Site internet] « Guillaume Apollinaire disait de Méliès, l’inventeur du spectacle cinématographique : “Monsieur Méliès et moi faisons à peu près le même métier : nous enchantons la matière vulgaire“. Une assertion que ne renierait certainement pas la petite fille du réalisateur de génie, Madeleine Malthête-Méliès qui consacre à son ancêtre tout un livre : Méliès, l’enchanteur (ed. La Tour Verte). Car Madeleine Méliès a vécu auprès du réalisateur entre ses cinq et quinze ans. C’est lui qui l’a élevée, avec l’ancienne actrice Jehanne d’Alcy, sa seconde femme. Collaboratrice d’Henri Langlois de 1943 à 1945 à la Cinémathèque française, dont elle est membre fondatrice, elle anime l’association des Amis de Georges Méliès ».

Hugo Cabret, Canal +, réa Martin Scorcese, 28.12.2012, long métrage, 2 heures 1 min

Un orphelin vivant à la gare Montparnasse se lie d’amitié avec un vieil homme dont il découvrira qu’il s’agit de Georges Méliès, premier cinéaste de fiction du monde, tombé dans l’oubli.

Georges Sadoul est spécialiste de l’histoire du cinéma, il est connu pour son Histoire Générale du cinéma et a beaucoup écrit sur Méliès et sur les frères Lumière (Georges Méliès en 1961 et Lumière et Méliès en 1985). Cet ouvrage est préfacé par Jean Paul le Chanois et Doniol-Valcroze.

Résumé éditeur : « Georges Méliès (1861-1938) apparaît, dans les dernières années du XIXe siècle, comme l’une des figures les plus étonnantes du cinéma naissant. Tour à tour peintre, sculpteur, caricaturiste, prestidigitateur, directeur du théâtre Robert-Houdin à Paris, Méliès apporte au cinéma son expérience multiple de scénographe, d’illusionniste, de régisseur, de machiniste et d’acteur. Homme-orchestre, homme-protée, cet artisan de génie a le mérite de concevoir le cinéma comme un spectacle original. Père des vues à transformations, des actualités reconstituées, des bandes publicitaires, des féeries en couleurs et du film de science-fiction, il réalise en 16 ans – de 1896 à 1912 – plus de 500 films dans ses deux ateliers de pose de Montreuil-sous-Bois. »

Documentaire riche en extraits de films et en photos d’archives de Kevin Brownlow et David Gilles, diffusé dans la tranche horaire de la 25^ème heure présentée par Jacques et Valentine Perrin. Télérama : « Les couche-tard (très tard !) et (surtout) les magnétoscopeurs apprécieront ce travail encyclopédique et cyclopéen, à la rencontre du père fondateur du septième art, prince du muet, créateur génial de (presque !) toutes les techniques classiques du cinéma. Jugez plutôt : de 1908 à 1931, en quatre cents courts métrages, plus une brassée de superproductions, il invente de flash-back, étrenne le gros plan, le plan américian, impose l’usage des « flous » et des surimpressions. (… )»

Griffith fait un film sur la cruauté de l’homme envers son prochain en une fresque de quatre épisodes montrant diverses formes d’intolérance et en réponse à Naissance d’une nation.

Susie donne à William tout ce qu’elle a pour qu’il puisse faire ses études. Elle se dévoue en espérant obtenir en échange son amour.

Bulletin de presse Arte : « Un hymne cinématographique à Miss Gish, rayonnante en amoureuse inébranlable, par son chantre le plus inspiré : DW Griffith. (…) Quelques années après Naissance d’une nation et Intolérance, celui qui est alors le maitre incontesté du cinéma mondial, y rappelle son talent à émouvoir par la seule force de l’image ».

Le long-métrage de DW Griffith, Naissance d’une nation, a marqué l’histoire du cinéma à la fois par ses innovations narratives et techniques mises au point dans ce film mais également par les vives polémiques qu’il a suscité étant un film raciste qui a d’ailleurs entraîné la radicalisation d’activistes noirs-américains. Griffith a ensuite fait Intolérance espérant échapper à ces critiques mais son film reste marqueur et témoin d’une période terrible pour les Etats-Unis.

Cette émission est consacrée au cinéaste DW Griffith. Il est question des nombreuses innovations techniques et des nouveautés qu’il apporta à l’écriture. Deux de ses films sont utilisés : Le Lys Brisé, 1919 et Naissance d’une nation 1915. Patrick Brion, historien du cinéma raconte la carrière de Griffith. Jean Mottet, professeur à Paris I analyse le montage alterné et la mise en scène dans Naissance d’une nation. Pierre Sorlin également reçu parle de la façon dont Griffith tente de donner une vision plus équilibrée de la guerre de sécession dans Naissance d’une nation et comment il crée dans ce film toute la narration cinématographique que l’on utilise aujourd’hui et à laquelle nous a souvent habitué le cinéma américain. Jean Loup Bourget enfin, explique les origines théâtrales du mélodrame cinématographique et notamment comment cela apparaît dans Le Lys brisé.

Résumé producteur : [Source site internet de France Inter] (…) la question de l’esclavage et du traitement des Noirs a constitué pendant longtemps, un point aveugle, un sujet sensible pour l’Amérique et son cinéma. (…) Un petit rappel : 1865, guerre de sécession et abolition de l’esclavage. Mais pour les Etats-Unis du Sud, les Noirs sont toujours ce qu’ils appellent des nègres, une sous-humanité brimée. Débute alors l’âge de la ségrégation et des tristes lois Jim Crow qui durera près de 80 ans (…) Pendant ce temps, que se passe-t-il à Hollywood ? Tout commence, sans doute, en 1915, avec Naissance d’une nation de Griffith, premier acte du grand cinéma américain et crime fondateur d’une Histoire qu’Hollywood mettra des décennies à remettre à l’endroit. (…)

Jean Loup Bourget fait une histoire du cinéma de ses origines aux années 80 en passant par des réalisateurs célèbres comme Griffith (au chapitre 2), King Vidor, Orson Welles mais aussi en énumérant certaines techniques cinématographiques comme l’arrivée du parlant, de la couleur. A travers cette chronologie du cinéma, Jean Loup Bourget aborde également la question du genre, de la comédie au film de genre en passant par le fantastique, le western et bien d’autres.

Résumé éditeur : « Ces textes ont été publiés entre 1988 et 1991 dans le quotidien Libération. L’auteur qui, longtemps, fut critique de cinéma puis salarié comme “zappeur” se demande d’abord à quoi ressemblent les films lorsqu’ils “passent à la télé”. D’où une chronique quotidienne intitulée les Fantômes du permanent. C’est le premier tour de la “navette” : celle qui refuse de se satisfaire de la légende dorée du cinéma comme de la brutalité du pouvoir télévisuel. »

Portrait de l’acteur et réalisateur Max Linder, qui a beaucoup influencé Charlie Chaplin. Max Linder s’est suicidé après avoir tué sa femme, laissant sa fille de 16 mois. Pour cette raison, cette dernière n’a pas connu ses parents mais elle revient sur l’histoire de son père et de ses films. Ce documentaire est composé de commentaires d’images d’archives croisées avec l’interview de Maud Linder. Elle explique le travail qu’elle a effectué avec Henri Langlois pour restituer la mémoire de son père, longtemps restée dans l’ombre.

Cette collection de 18 numéros en partenariat avec Une vie, une œuvre de France Culture, dresse ici le portrait de deux personnalités présentées comme amicalement rivales. Un épisode est consacré à Chaplin et Keaton. Dans cet épisode, on parle d’âge d’or du cinéma burlesque à travers ces deux importantes figures. Les spécialistes du cinéma Kevin Brownlow, Serge Bromberg, Adele Van Reeth et Jos Houben sont interviewés pour parler de ces cinéastes du burlesque. En alternance avec les interview sont projetés des extraits de films de Chaplin : The Kid (1921), The Gold Rush (1942), Modern Times (1936), The Great Dictator (1940), Limelight (1952) ; et de Keaton : The General (1926), The Butcher Boy (1917), The High Sign (1921), The Electric House (1922), Three Ages (1923), et bien d’autres.

Résumé producteur : « Un demi-siècle après la disparition de Buster Keaton, Robinson Stévenin raconte l’oeuvre de ce génie du cinéma, broyé par la machine hollywoodienne. Une ‘face de glace’ au regard grave, un corps élastique se pliant avec grâce aux exploits physiques les plus fous, capable d’exprimer des émotions subtiles : Buster Keaton, l’acrobate-poète, est presque né sur une scène de music-hall en 1895. Acteur, réalisateur, producteur, ingénieur, voltigeur : dans son petit studio de cinéma, sa créativité se démultiplie à l’infini pour des petits miracles d’humour, d’élégance et de mélancolie. A la fin des années 20, le roi du muet est au sommet de sa gloire avant la chute, vertigineuse, quand il commet l’erreur de signer à la MGM, renonçant du même coup à sa liberté artistique. Robinson Stévenin conte cette tragédie au fil de l’oeuvre de Keaton, le florilège d’extraits de ses films dessinant le portrait bouleversant d’un romantique dans l’âme, derrière le voile délicat du burlesque »

Les Nuits de France Culture « Charlot – Chaplin », Les Chemins de la connaissance, France Culture, pro Françoise Estèbe, décembre 2002, 5 émissions, 25 min

Episodes : L’Immigré vagabond le 23.12.2002 ; le Schlemihl et le dandy  le 24.12.2002 ; le Poète du burlesque  le 25.12.2002 ;  l’Homme mécanique le 26.12.2002 ; la Mort du schlemihl  le 27.12.2002

Résumé des essayistes Petr Kral et Fabrice Revault d’Allones : « Comment un héros comique, un bouffon, mi-clown mi-vagabond, personnage persécuté, victime de toutes les avanies et de tous les quolibets, peut-il devenir un mythe ? Proche des fous, entre paria et poète, tel le personnage juif du “schlemihl”, décalé et chevaleresque, Charlot a l’innocence primordiale des victimes rédemptrices. Emouvant d’humanité, dans le rire tragique qu’il suscite, Charlot fait résonner une sensibilité collective. (…) »

Philosopher avec Charlie Chaplin, Les Nouveaux chemins de la connaissance, France Culture, pro Adèle Van Reeth, 02.2016, magazine, 4 épisodes, 53 min

Série de quatre émissions consacrées à Charlie Chaplin, ponctuées d’extraits musicaux et de commentaires de cinéastes. Chaplin contre Charlot 15.02.2016 , archives sonores, analyse esthétique et question du rapport au corps ; La Critique sociale d’un infatigable  16.02.2016, analyse d’un point de vue sociologique des films de Chaplin ;  Keaton vs Chaplin, un monde meilleur est-il possible ? , 17.02.2016, comparaison entre les deux cinéastes ; Du corps à la parole, 18.02.2016, analyse des films de Chaplin et le passage qui est fait du muet au parlant.

Dans ce document apparaissent, entre autres, deux articles écrits par Charlie Chaplin intitulés « Faire rire » et  « Appel aux hommes »

Différents articles sur le cinéma burlesque apparaissent également dans cette revue : « Le Regard de Buster Keaton » de Robert Benayoun ; « L’Insolence de Harold Lloyd » de Raymond Borde, « Déclarations » de Harold Lloyd et « Entretien avec Mack Sennett » de Theodore Dreiser.

Claude Jean Philippe, présentateur du Ciné-Club d’Antenne 2 sur le plateau d’Apostrophes et critique de cinéma écrit un roman sur Charlie Chaplin. Grâce à des sources variées, il fait une reconstitution biographique de la vie de l’acteur.

 Ouvrage qui assemble plusieurs articles concernant  Charlie Chaplin

Résumé éditeur : « “La critique est l’art d’aimer.” Jean Douchet développe une haute conception de la critique, fondée sur le couple passion-lucidité, et appartenant au même titre que l’oeuvre dont elle traite au domaine de la création artistique. Il fait partie du groupe de jeunes critiques des Cahiers du cinéma et Arts autour de Godard, Rivette, Rohmer, Truffaut qui, dans les années 60, allaient imposer la Politique des Auteurs et donner naissance à la Nouvelle Vague. Il continue à propager sa passion comme enseignant, réalisateur d’émissions télévisées et essayiste. »

Robert Flaherty réalise le premier documentaire du cinéma en filmant la vie quotidienne d’une famille inuit, la pêche au saumon et la chasse à l’otarie, la construction d’igloo, dans l’Arctique canadien. Il commence à faire ce documentaire en 1910 mais doit le recommencer en raison d’un accident technique (incendie de la pellicule et négatif égaré). Il se rend à nouveau au Nord du Canada, à l’été 1920 pour une période de quinze mois et le réalise en 1922. Nanouk l’esquimau est le résultat d’un long travail impacté par de dures épreuves qui a donné naissance au genre du documentaire.

Sur les pas de Robert Flaherty, 65 ans plus tard, au printemps 1988, Claude Massot  et Sébastien Regnier retournent sur les lieux où a été tourné le film Nanouk l’esquimau. A leur arrivée, ils invitent les Inuits à une projection du film de Flaherty.

Robert Flaherty parle de sa vie, date d’enregistrement : 29.10.1949, Plein feu sur les spectacles du monde, pro René Wilmet, 3 minutes, langue : anglais

Document d’archive dans lequel on peut entendre la voix de Robert Flaherty, parlant en anglais. Robert Flaherty parle de son statut d’explorateur et de la façon dont son film a été diffusé dans le monde.

Robert  Flaherty, prospecteur et cinéaste ou Le rêve d’un prince ; Atelier de création radiophonique, France Culture, pro Jean Daniel Lafond, 13.09.1987, création sonore en deux parties, 2 heures

L’émission commence sur le bateau qui dessert les îles d’Aran, fond sonore de l’eau. On entend Jean Renoir évoquer les souvenirs qu’il a de Robert Flaherty. Cette émission multidiffusée de 1987 jusqu’en 2019 présente par fragments des morceaux de vie, des extraits d’interviews de Flaherty ou de cinéastes parlant de Flaherty.

Robert Flaherty, Projection privée, France Culture, 23.12.2006, pro Michel Ciment, entretiens, 45 minutes

Avec la participation de Richard Leacock documentariste et Patrick Leboutte, spécialiste du documentaire, Michel Ciment retrace la vie de Robert Flaherty, à l’occasion de la sortie d’un coffret DVD regroupant quatre de ses films. L’entretien est ponctué d’extraits de films et de différentes voix utilisées pour l’émission dont celle de Jean Rouch.

La Mise en scène documentaire : Robert Flaherty, l’Homme d’Aran et le documentaire, Analyse filmique, Pierre Baudry et Gilles Delavaud, édition Ministère de l’éducation nationale et Ministère de la culture, 1994, 127 pages.

Livre accompagné d’un CD expliquant la mise en scène documentaire en s’appuyant sur le documentaire de l’Homme d’Aran de Flaherty (scénario et photographies).

Résumé producteur : En 1929, le cinéma parlant apparaît aux Etats Unis. En France, la polémique éclate entre les partisans et les détracteurs de ce nouveau procédé. Carne, Pagnol et Christian-Jaque sont enthousiastes alors que Gance, Clair et l’Herbier mettent en avant le caractère universel du muet.

Présentation du Chrono-mégaphone, l’un des premiers appareils permettant au cinéma de devenir parlant. Brevet de cet appareil déposé par Léon Gaumont, il est présenté au public en 1910.

Causerie sur les débuts du  cinéma parlant. Sont évoqués La Passion de Jeanne d’Arc de Carl Théodor Dreyer ; les propos de Charlie Chaplin et de René Clair sur le parlant ; les enjeux pour les studios et pour les auteurs.

Entretien d’Emmanuelle Franc avec Denise Grey, Jean Pierre Jeancolas, Michel Chion et Michel Marie. Emission construite sur la base d’entretiens. Henri Poret parle des compositions de son père Julien Poret, qui a sonorisé le cinéma muet. Denise Grey, comédienne parle de l’émotion qu’elle a ressenti au début du cinéma parlant. Jean pierre Jeancolas, historien du cinéma décrit les procédés sonores utilisés au cinéma et analyse les effets de l’arrivée du parlant sur le cinéma. Michel Chion, enseignant et critique de cinéma décrit le premier matériel technique de son et témoigne des difficultés rencontrées par les ingénieurs du son lors des premiers tournages du cinéma parlant. Michel Marie, enseignant et historien du cinéma produit une analyse sur la bande sonore du film de Fritz Lang, M le maudit.

Différents enseignants sont interrogés sur la place du son : Michel Chion, Michel Marie, Vincent Pinel, Noël Burch, mais aussi le pianiste et compositeur Jay Gottlieb et l’éditeur  et enseignant Alain Masson. Sont discutés l’investissement de la Warner dans le cinéma parlant, les accompagnements musicaux des films muets, les grands musiciens qui se sont intéressés au cinéma muet, les problèmes techniques à l’arrivée du parlant,  la réception du sonore par le spectateur, etc.

Entretien avec Michel Chion à l’occasion de la sortie de son essai Un art sonore, le cinéma : histoire esthétique et poétique. Il est question de sa passion pour le son, et d’une analyse de l’histoire du cinéma à partir du son.

Dans cette émission à laquelle participent Dominique Besnehard, Jean Douchet, Michel Lonsdale, Pierre Lenoir et Agnès Varda, il est question de montrer le rôle qu’a joué la voix au cinéma avec l’arrivée du cinéma parlant. Ce changement fut une catastrophe pour certains acteurs muets qui avaient une voix inadaptée au parlant. Il est également question dans cette émission de la matérialisation du son chez Fritz Lang, de l’intérêt d’Orson Welles pour le son radiophonique, de la façon dont avec la voix, il est possible de cultiver des actions, créer des personnages.

Les cinés-concerts, des musiques originales improvisés sur des films muets ont donné naissance à la musique au cinéma. Jean-François Zygel, compositeur, pédagogue, homme de télé et de radio, pianiste improvisateur est un des spécialistes français de l’accompagnement de films muets en concert et explique comment cette passion lui est venue, et en quoi consiste cet art. Jean-Baptiste Urbain explique que pendant l’ère du cinéma muet, le cinéma était un ciné-concert sans le savoir, puisque  ce qui se passait à l’écran était accompagné dans la salle par une musique : un pianiste, quelques instrumentistes ou, dans les plus grandes salles, un orchestre. Au moment où arrive le cinéma parlant et la bande sonore du film, la musique jouée en direct disparaît.

Résumé éditeur : « Dirigée par Michel Estève et publiée par Michel J. Minard la collection Étude cinématographiques assure la continuité des cahiers du même nom publiées par G.-A. Astre et M. ESTÈVE depuis 1966 et qui faisaient eux-mêmes suite à la revue Étude cinématographiques fondée en 1960 par Henri AGEL et Georges-Albert Astre. (…) Il n’est pas question d’y publier des comptes rendus de films en relation étroite avec l’actualité mais, au contraire, d’approfondir certains aspects majeurs, certaines fonctions essentielles du cinéma en prenant à l’égard des oeuvres étudiées une indispensable distance, en multipliant les confrontations (…) ». Préfacé par Pierre Schaeffer, cet ouvrage interroge dans une approche esthétique, le rôle du son au cinéma commentant l’origine de la mise en scène du son de sa présence réelle et imaginaire au discours filmique, et aux musiques et effets sonores utilisés dans la scénographie.

Résumé éditeur : « Ce que certains appellent la bande sonore dans l’audio-visuel n’est pas une simple couche rajoutée au cinéma tel qu’il était au temps du muet, c’est un remaniement de tout l’ensemble. Nous ne “voyons” pas un film sonore, un clip, une émission télévisée, mais nous les “audio-voyons” (…). Traduit en plusieurs langues, cet ouvrage est, depuis sa première édition en 1990, devenu un texte de référence pour l’enseignement du son  au cinéma dans le monde. Il est ici augmenté et réactualisé par une longue postface, remettant à jour les concepts proposés. Compositeur de musique concrète, réalisateur, enseignant à l’Esec, chercheur à l’IKKM (Weimar) et maître de conférences émérite à Paris 3, Michel Chion a publié une trentaine d’études et d’essais, dont plusieurs sont consacrés à son travail scientifique et historique sur le cinéma, la musique, et le son, qui reste le centre de ses recherches. Il a publié dans la même collection Le Son, traité d’acoulogie. »

Chapitres consacrés à différents cinéastes : Louis Lumière, Georges Méliès, Louis Feuillade, David Wark Griffith, Thomas Ince, Mack Sennett, Victor Sjöström, Mauritz Stiller, Charles S. Chaplin, Buster Keaton, Eric von Stroheim, Robert Flaherty, Frank Borzage, F. W. Murnau, Fritz Lang, Carl T. Dreyer, Ernst Lubitsch, Josef von Sternberg, King Vidor, Jean Renoir, Jean Grémillon, Alfred Hitchcock, Alexandre Dovjenko, Mark Donskoï, Kenji Mizoguchi, Jean Vigo, Max Ophuls, Jean Cocteau, Luis Buñuel, Howard Hawks, George Cukor, Orson Welles, Joseph L. Mankiewicz, Otto Preminger, Nicholas Ray, Vicente Minnelli, Vittorio De Sica, Roberto Rossellini, Robert Bresson, Jacques Tati, Georges Franju.

Résumé éditeur : Tout se passe comme si l’histoire du cinéma traversait, de temps en temps, des périodes d’intense « ébriété créatrice » au cours desquelles des cinéastes se retrouvent, provisoirement, autour d’un programme esthétique ou thématique. Objectif, presque toujours : rompre des lances avec le « cinéma de papa », des commerçants ou des gouvernements, de l’académisme et de la convention, pour proposer une nouvelle vision du cinéma, du monde et de la vie. Trois petits tours et puis s’en vont : la nouvelle « école » dure en général, sinon ce que durent les roses, du moins rarement plus de cinq, dix, quinze ans. (…)

Documentaire consacré au rapport entre le pouvoir et le cinéma en Russie du début du cinéma sous le régime tsariste aux premiers films de propagande sous Staline. Documentaire constitué d’alternance entre entretiens avec des historiens comme Litsov, extraits de films, contextualisation de l’époque d’Eisenstein, de Poudovkine, Koulechov, Vertov et bien d’autres. Ce documentaire explique comment est né le cinéma en Russie et dans quel contexte politique.

(source : Allociné) : Un épisode de la Révolution russe de 1905 : l’équipage d’un cuirassé, brimé par ses officiers, se mutine et prend le contrôle du navire. Arrivés à Odessa, les marins sympathisent avec les habitants qui se font brutalement réprimer par l’armée tsariste…

Après la mort d’un des leurs, les ouvriers d’une grande usine de la Russie tsariste se mettent en grève. L’armée tsariste la réprime de manière sanglante. Dans ce film, Eisenstein montre ses techniques cinématographiques pour lesquelles il sera célèbre, notamment concernant les choix narratifs et le montage. Il choisit de filmer la masse plutôt qu’un personnage principal et refuse un montage narratif.

Film réalisé en hommage à Eisenstein et au film qu’il a tourné à Mexico intitulé Que viva Mexico, biopic qui retrace ce tournage d’Eisenstein au Mexique.

Résumé producteur [Source iMedia] En 1931, pendant dix jours, le cinéaste soviétique Sergueï Eisenstein se lance dans le tournage mouvementé de l’un de ses chefs-d’oeuvre, Que Viva Mexico!. Que Viva Mexico! est resté comme l’une des oeuvres maîtresses du grand Sergueï Eisenstein. En 1931, Hollywood ne veut pas du cinéaste soviétique. Au lieu de rentrer en URSS, le réalisateur du Cuirassé Potemkine et d’Octobre trouve refuge à Guanajuato, au Mexique… (…)

A propos d’Eisenstein, Microfilms, France Culture, pro Serge Daney, 10.12.1989, magazine, 40 minutes

Serge Daney s’entretient avec Jacques Aumont, historien du  cinéma, au moment de la parution du livre d’Eisenstein, Mémoires, que Jacques Aumont a traduit. Grâce à ce livre, Jacques Aumont comprend la personnalité de ce cinéaste, son adhésion à la Révolution russe de 1917, son travail sur Ivan le terrible, l’image qu’il a du peuple russe, etc.

Le Cinéma a cent ans : Eisenstein, Les Mardis du cinéma, France Culture, pro Françoise Estebe et Jean Claude Loiseau, 24.10.1995, documentaire, 1h30 min

Françoise Estebe a mené une série d’entretiens avec les enseignants, écrivains et critiques François Albera, Françoise Navailh, Charles Tesson et Dominique Fernandez. Dans ces entretiens, sont évoqués les débuts d’Eisenstein comme décorateur et metteur en scène de théâtre, son style et sa théorie sur le montage, son rapport avec le pouvoir et la façon dont cela s’exprime dans ses films.

Une histoire du cinéma, France Culture, pro Jean Douchet et François Caunac, Causerie, 25 émissions, 29 minutes : Eisenstein ; Vertov, 30.07.2007, épisode 6/25

Jean Douchet présente les cinéastes soviétiques Sergueï Eisenstein et Dziga Vertov, les notions de plans et de montage, leur appartenance à un cinéma révolutionnaire, etc.

La revue du cinéma, dir. Robert Aron, Jean Georges Auriol, Denise Tual ; librairie José Corti, n°14, 1 sept 1930

« Situation du cinéma Soviétique » par Stefan Priacel, « Le film soviétique, art primitif et savant », par Léon Pierre Quint ; « Profession de foi d’un metteur en scène soviétique » par Alexandre Djovenko ; « Le cuirassé Potemkine » par Jacques Spitz ; « Turksib » par Cécile Pierrot ; « Scénario de la ligne générale » par Eisenstein et Alexandroff.

L’Esthétique du film, Jacques Aumont, Alain Bergala, Michel Marie, Marc Vernet, Nathan Cinéma, 2001, 238 pages

« Eisenstein et la ciné-dialectique », « Le Calcul des réactions du spectateur (Poudovkine, Eisenstein)» au sujet d’Eisenstein. Livre qui fait le panorama de l’esthétique du cinéma, son langage qu’il crée par le montage et la mise en scène. Décrit par l’éditeur comme un « ouvrage interdisciplinaire, s’appuyant sur l’histoire de l’art, la théorie littéraire, la sémiologie et la psychanalyse »

Emission consacrée à Nosferatu : Werner Herzog parle de son cinéma, et, une historienne du cinéma allemand, Lotte Eisner, du premier Nosferatu le vampire de Murnau. Elle compare le Nosferatu de Murnau et celui d’Herzog.

Un paysan, séduit par une femme de la ville, tente de tuer sa femme qui vient de la campagne. Elle prend fuite, il l’a rattrape et voit leur amour re-naître.

Reportage : Retour sur la vie du cinéaste Friedrich Wilhelm Murnau, en particulier sur son voyage à Bali où il tourna son dernier film, Tabou. Interview de Friedemann Beyer, directeur de la fondation Murnau, d’Enno Patalas, historien du cinéma. Alternance d’images factuelles, d’extraits de films et de photographies.

Nosferatu a été restauré par Luciano Barriatua en 2005/2006, à l’initiative de la fondation Murnau, à partir d’une copie nitrate teintée, avec intertitres français de 1922, notamment complétée d’une copie de la version distribuée en 1930.

Résumé producteur [Source iMedia] Dans les montagnes de la région des Carpathes, en Transylvanie, un agent immobilier venu conclure une affaire rencontre un personnage mystérieux et inquiétant. En 1830, Hutter, commis d’un agent immobilier, est envoyé en Transylvanie dans la région des Carpathes, auprès du comte Orlock, intéressé par l’achat d’une maison à Brême. Malgré les mises en gardes des paysans, Hutter décide de passer la nuit dans le sinistre château du comte. Alors qu’il profite paisiblement de l’hospitalité d’Orlock, Hutter se coupe accidentellement le doigt. Il ne tarde pas à constater que le propriétaire des lieux a un certain goût pour le sang. Il comprend qu’il n’est pas en face d’un simple mortel mais bien d’un vampire. Pendant ce temps, le navire qui transporte les affaires personnelles d’Orlock accoste dans le port de Brême…

L’Expressionnisme, Euphonia, France Culture, pro Cécile Gilly, 23.06.1997 – 27.06.1997, documentaire, 5 émissions, 1h ; L’expressionnisme : 5^ème émission, 27.06.1997

Documentaire dédié au mouvement de l’expressionisme. L’épisode 1 concerne l’origine du mouvement et son implication dans les arts, l’épisode 2 concerne la naissance de l’expressionisme dans la peinture, la musique et la littérature, l’épisode 3 concerne l’écriture expressionniste, l’épisode 4 concerne l’opéra expressionniste, et enfin l’épisode 5 concerne l’expressionnisme dans la musique et au cinéma. Bernard Eisenchitz et Alain Poirier dans ce dernier épisode font une définition du cinéma expressionniste apparu au début des années 20 en Allemagne, commentant la musique utilisée et comment elle a évolué.

Murnau, Une Histoire du cinéma, France culture, pro Jean Douchet, François Caunac, 23.07.2007, Causerie, Episode 7/25, 29 min

Jean Douchet parle des premiers films de Friedrich Wilhelm Murnau, la création esthétique de ce cinéaste et son inscription dans l’expressionisme allemand. Il analyse les caractéristiques de ce mouvement, la lumière, le rythme, le jeu d’acteur des personnages dans Nosferatu mais aussi l’Aurore, L’intruse et Tabou. Jean Douchet mène une analyse sur diverses thématiques, il traite par exemple du thème de la culpabilisation.

Deux articles sont consacrés à Fritz Lang dans cette revue : « Le Nom de l’innommable (Le Testament du docteur Mabuse) » par Gérard Legrand et « Fritz Lang ou la tentation du vide » par Philippe Leguay. Dans cette même revue, un article consacré à Murnau par Sylvain Exertier intitulé « La Lettre oubliée de Nosferatu »

Périodique consacré au cinéma allemand, de ses débuts aux années 80, passant donc également par Fritz Lang.

Dans ce livre méthodologique sur l’analyse de films, présentant la manière d’aborder cet axe d’étude, deux chapitres sont consacrés à l’analyse de deux films de Murnau. « Plastique et rhétorique de l’image : le cache et l’iris dans Nosferatu le vampire » ; « L’image et la figure : L’Aurore de F.W Murnau ».

Vers le réalisme poétique 1936-1938, Histoire du cinéma français par ceux qui l’ont fait, TF1, pro Armand Panigel, 14.02.1975, magazine, 48 minutes

Armand Panigel interviewe Marcel Carné à l’occasion de la diffusion de son film Les Portes de la nuit sorti en 1946. Marcel Carné raconte la genèse du projet, l’implication de Jean Gabin et Marlene Dietrich, le scénario de Jacques Prévert. Il revient sur son erreur d’avoir choisi Yves Montand dans le rôle principal. Il revient également sur sa carrière, livrant quelques anecdotes et donne son avis sur le cinéma français.

Thema. Marcel Carné, ARTE, 10.11.1996, tranche horaire, 4 heures

Soirée thématique en hommage au cinéaste français Marcel Carné. Diffusion successive du film Les Portes de la nuit de Marcel Carné, du documentaire Carné, vous avez dit Carné et de la biographie Marcel Carné, ma vie à l’écran réalisés par Jean-Denis Bonan, et enfin d’un film réalisé pendant le tournage du documentaire de Nicolas Baulieu intitulé Fragments et anecdotes.

Marcel Carné, 40 ans de cinéma, La Vie à Paris, France Inter, pro Claude Archambault,  date d’enregistrement : 03.09.1970, magazine, 30 minutes

Entretien avec le réalisateur Marcel Carné qui évoque ses 40 ans de carrière. Il parle de son amour pour les grands acteurs et critique ceux qui sont trop égocentriques. Il parle de ses débuts comme assistant de Jacques Feyder et René Clair et de son article Quand le cinéma descendra dans la rue. Il évoque également l’atmosphère et les personnages qu’il crée et qui participent du réalisme poétique.

Une Histoire du cinéma français : 2ème émission, 1929-1939 De “Sous les toits de Paris” à “La règle du jeu”, France Culture, 06.08.1995, documentaire, 2 heures

Résumé producteur : « De la tyrannie de l’ingénieur de son aux versions multiples. Du théâtre filmé à la crise de la production. Du  réalisme poétique  au Front Populaire. Des scénaristes aux auteurs. De la Cinémathèque à la guerre. Avec les voix de Jacques Feyder, Marcel Pagnol, Sacha Guitry, Julien Duvivier, Henri Jeanson, Jean Vigo, Henri Langlois, Marcel Dalio, Jean Gabin, Arletty, Louis Jouvet, Raimu, Eric Von Stroheim, Michel Simon, Fernandel, Jean Rouch, etc.. »

Périodique qui fait l’histoire du cinéma, de ses origines et du muet jusqu’au cinéma d’auteur, en passant par le réalisme poétique. Une partie y est consacrée au chapitre XII.

Compilation d’entretiens qui montrent Roberto Rossellini présentant chacun de ses longs métrages. Présentations qui devaient avoir lieu avant la diffusion de chacun des films : Stromboli,  Rome ville ouverte, India mère patrie,  Allemagne année zéro, La Peur,  Les Onze Fioretti de François d’assise, Jeanne au bûcher, L’Amore,  Voyage en Italie, Paisa, Europe 51.

Marie Genin et Serge July s’intéressent à l’un des films qui a le plus marqué le néoréalisme italien : Rome ville ouverte de Roberto Rossellini. Dans ce documentaire ils ancrent la narration du film dans sa réalité historique. Des extraits de films, des archives d’entretiens et d’actualités, alternent avec les témoignages des enfants de Rossellini. Participent à ces entretiens Isabella Rossellini, Vittorio Taviani, Carlo Lizzani, Père Virgilio Fantuzzi, Luca Magnani, Renzo Rossellini et Adriano Apra.

Le réalisateur parle de Rome, Ville ouverte et Païsa et de l’accueil du public français pour ces deux films. Il explique comment il filma alors que les Allemands étaient encore présents et parle de ses projets de nouveaux films.

Au micro de Jacques Chancel, Roberto Rossellini, âgé de presque 80 ans philosophe sur la vie, se pose des questions existentielles, questionnant le rôle du cinéma et de la télévision, la législation au cinéma, le néoréalisme italien, la nouvelle vague.

Claude Jean Philippe s’entretient avec François Truffaut au sujet de la situation du cinéma face à la libération, les films qui ont déterminé sa vocation de cinéaste, sa rencontre avec André Bazin. S’ensuit d’une interview de Roberto Rossellini questionnant son intérêt pour l’élaboration de la pensée, le rapport entre la culture et le cinéma.

Ce périodique met à l’honneur le monde rural, souvent dévalorisé voire moqué dans les films. Le néoréalisme avait abordé cette ruralité sans la moquer et cela est étudié par Guiseppe de Santis dans un des chapitres de cet ouvrage.

Table ronde de jeunes Belges, Suisses et Canadiens étudiants dans une école de cinéma de Bruxelles. Ils questionnent ensemble l’apport de la Nouvelle Vague, l’influence de Godard, la nécessité de se tourner vers des films réalistes, et donnent leur opinion sur Chabrol, Truffaut et Lelouch.

Agnès Varda, interviewée par Jean Daive parle de son enfance morne, son éducation, son professeur Gaston Bachelard, ses reportages photographiques, la réalisation de son premier film La Pointe courte, la nouvelle vague, les difficultés de son métiers, de la diffusion de certains de ses films, son itinéraire en tant que femme.

La Nouvelle Vague et le phénomène Vadim-Bardot avec Et dieu créa la femme. Il est aussi question de Louis Malle, Melville, Truffaut, Godard et Chabrol avec des extraits de leurs films.

Emission humoristique conçue comme un tribunal dans lequel l’invité du jour doit comparaitre. Claude Chabrol y est invité et est accusé de haute trahison à l’esprit de la Nouvelle Vague et d’incitation à la surconsommation au vu de ses nombreuses déclarations concernant la gastronomie.

« La Nouvelle vague, les pavés, la plage », troisième volet d’un documentaire en cinq parties sur l’histoire de la Cinémathèque française. Episode sur l’importance de la cinémathèque pour les cinéastes de la Nouvelle Vague et de l’influence de ces derniers sur le cinéma mondial. Pour Henri Langlois, fondateur de la cinémathèque, la nouvelle vague c’est l’autodidacte, l’art contre les gens qui pensent que la création artistique s’apprend dans les écoles. Chantale de Béchade, elle, explique le rôle important qu’a joué la cinémathèque dans l’apparition de la Nouvelle Vague.

Cette revue de critique de film a été fondée par Jacques Doniol-Valcroze, Joseph-Marie Lo Duca, André Bazin et Léonide Keigel. Parmi les premiers rédacteurs, on compte de nombreux cinéastes que l’on va rattacher au courant de la Nouvelle Vague comme Eric Rohmer (ses premiers articles sont signés de son vrai nom Maurice Schérer), Claude Chabrol, Hans Lucas (alias Jean Luc Godard), Truffaut, Jacques Rivette. Cette revue se compose généralement d’entretiens ou d’articles critiques qui revendiquent un certain cinéma. On peut relever des articles phares comme « Une certaine tendance du cinéma français » et « la Politique des auteurs » de François Truffaut. La revue va être reprise par Serge Daney, Serge Toubiana puis Antoine de Baecque, Charles Tesson et bien d’autres. Elle est aujourd’hui dirigée par Stéphane Delorme.

Ce petit livre retrace la naissance de la nouvelle vague, le contexte de création dans une crise économique du cinéma, qui donne une place importante à la critique, et créé un univers à part.

Mémoire de diplôme en information et communication de l’IFP, Université Paris II, soutenu par Anne Gillet sous la direction de Jorge Dana.

Mémoire qui trace l’avènement de la Nouvelle vague dans le cinéma français, sa situation historique et ses principes. Questionne également la place et la vision de Godard dans la Nouvelle Vague.

Tome 1 : à l’assaut du cinéma de 1951 à 1959

Résumé éditeur : « Avril 1951. Dans un petit bureau des Champs-Elysées, Jacques Doniol- Valcroze, Lo Duca et Léonide Keigel feuillettent les premiers exemplaires d’une nouvelle revue voulue par André Bazin : les Cahiers du cinéma. La couverture du premier numéro est déjà jaune, et sera longtemps un signe de ralliement des cinéphiles. Mai 1959. Les Quatre Cents Coups triomphe au Festival de Cannes. Derrière François Truffaut, c’est toute une génération de critiques – de Claude Chabrol à Jean-Luc Godard, Jacques Rivette ou Eric Rohmer.(…). L’histoire des Cahiers du cinéma est celle d’une génération enthousiaste et injuste, brillante et provocatrice, conviviale et divisée, qui va donner naissance à la Nouvelle Vague. La figure centrale de ce noyau de moralistes du  cinéma est incontestablement André Bazin qui, selon le mot de Truffaut, fut « un homme célèbre par sa bonté » (…)

Résumé éditeur : « De Truffaut à Godard ou Resnais, de Chabrol à Rivette ou Varda, le «jeune  cinéma» de la  Nouvelle Vague marque, au début des années 1960, un tournant. Au  cinéma de la Qualité, celui de Carné et Prévert, de Gabin et Jouvet, des maîtres du décor et de la lumière, des «professionnels de la profession», se substitue un « cinéma d’auteur», libéré de son carcan technicien, indépendant des impératifs économiques et du vedettariat et capable de «confronter», selon le mot de Godard, «des idées vagues avec des images claires»  L’ambition de ce livre est de proposer une socio-analyse de cette «révolution artistique» : cerner les règles professionnelles, les hiérarchies sociales ou les tendances de la critique qui caractérisent le  cinéma français. »

Scarface de Brian De Palma, Etoiles et toiles, TF1, réa Adrian Maben, par Al Pacino et Brian De Palma, 13.02.1984, 1 heure

Brian De Palma et Al Pacino sont interviewés au moment de la sortie de Scarface de Brian De Palma, remake du Scarface d’Howard Hawks. Des extraits des films sont présentés, Al Pacino est interviewé sur son rôle d’acteur et Brian de Palma sur l’emploi de la violence dans ses films.

The Scorsese machine, Cinéma, de notre temps = Kino unsere Zeit, ARTE, pro André Sylvain Labarthe, pro Janine Bazin, 08.03.1995, documentaire, 1h14 min

L’équipe de Cinéma de notre temps a filmé Martin Scorsese, à New York au mois de novembre 1988, dans ses bureaux, parmi ses principaux collaborateurs. Plus que d’un entretien traditionnel, il s’agit d’une présentation “de l’intérieur” du “système Scorsese”.

Documentaire qui se déroule de manière chronologique, la date et l’heure apparaissent à chaque séquences à l’écran. On voit Scorsese dans son bureau, recevant des collaborateurs. On voit même Scorsese discuter avec Brian De Palma, en repas de famille avec ses parents. En alternance avec ces séquences de vie quotidienne, Scorsese s’adresse à la caméra pour raconter les films qui ont marqué son enfance, parle du montage etc.

Story : Easy Rider, Personne ne bouge, ARTE, jou Frédéric Bonnaud, 15. 11. 2015, 8 minutes

En 1969, Easy Rider donne naissance à un renouveau du cinéma ce qui va entamer la période du Nouvel Hollywood. Jean Baptiste Thoret et Bruno Isher reviennent sur sa création.

Wasn’t Born to Follow, Sur les traces d’Easy Rider, Pop culture, ARTE, réa Simon Witter, réa Hannes Rossacher, 21.04.2011, 52 minutes

Ce documentaire fait partie d’une série de quatre, consacrés au film Easy Rider (Dennis Hopper, 1969). Résumé producteur [Source iMedia] : « Sur un texte dit par Gérard Lanvin, les documentaristes poursuivent leur route d’Easy Rider avec, dans cet épisode, la drogue comme fil conducteur. La drogue est au centre de ce troisième épisode, qui confronte le tournage du film à un état des lieux plus de quarante ans après. Outre Peter Fonda et Dennis Hopper – décédé en mai 2010 -, Guy Lawson, journaliste au magazine Rolling Stone, et deux spécialistes des drogues interviennent. « La drogue faisait partie de notre processus créatif », se souvient Dennis Hopper. Les documentaristes se penchent également sur les relations d’amour-haine entre bikers et hippies, rapprochés par certaines valeurs – le rejet des normes bourgeoises et l’envie de nomadisme. Le LSD les avait réunis une fois en 1967, lors d’un happening géant à San Francisco, où les 40 000 hippies présents furent encadrés par les Hell’s Angels. »

Summer of scandals : Hollywood Confidential, les égouts du paradis,  ARTE, réa Jérôme Korkikian, 21.08.2016, documentaire, 57 minutes

Résumé producteur [Source iMedia] : « Le cinéaste Peter Bogdanovich et l’historien Peter Biskind détaillent un siècle de scandales hollywoodiens. Ils illustrent leur propos d’extraits de films. Des films emblématiques comme Scarface de Howard Hawks, La Mort aux trousses et Psychose d’Alfred Hitchcock, L’Homme au bras d’or d’Otto Preminger, Orange mécanique de Stanley Kubrick et Taxi Driver de Martin Scorsese complètent leur propos. L’exemple de Judy Garland, dont la toxicomanie fut cyniquement instrumentalisée par les studios, illustre à merveille le contexte qui régnait à Hollywood. Après la période de censure du code Hayes souffle une ère de liberté, suivie par l’avènement des blockbusters. »

Panorama des musiques des films mythiques de la période du Nouvel Hollywood, qui ont marqué leur époque. Elles sont écoutées dans cette émission.

Peter Biskind, Charivari, France Inter, pro Frédéric Bonnaud, 16.03.2006, 42 minutes

Frédéric Bonnaud reçoit Peter Biskin, auteur de Le Nouvel Hollywood (paru en 2003) et Sexe, mensonges et Hollywood (paru en 2004)

Résumé producteur : « (…) Il y a quatre ans, le journaliste américain Peter Biskind avait publié Le Nouvel Hollywood, ou comment la génération « sex, drugs- and-rock’n’roll » a sauvé Hollywood. Dans ce livre, Peter Biskind racontait comment des cinéastes tels que Martin Scorsese, Francis Ford Coppola, George Lucas et Steven Spielberg avaient pris le pouvoir et fait seulement les films qu’ils voulaient faire, des films très personnels, sans se soumettre aux ordres des grands studios. Les années 70 resteront comme de grandes années pour le cinéma américain, tant la liberté et l’inspiration étaient alors au pouvoir. (…) Dans un nouveau livre, intitulé Sexe, mensonges et Hollywood et toujours publié au Cherche-midi, Peter Biskind raconte les années 80 et 90, avec le succès du concept assez discutable de cinéma indépendant, la création du fameux Festival de Sundance par Robert Redford, et l’ascension de Miramax, la maison de production des frères Weinstein. Les cinéastes de ces années-là s’appellent Steven Soderbergh ou Quentin Tarantino, et Martin Scorsese y fait figure de grand survivant des seventies. (…)

Sur la route de Dennis Hopper, Surpris par la nuit, France Culture, pro Frédéric Bas, pro Alain Veinstein, 27.11.2008 , documentaire, 1h 14 min

Documentaire sur le réalisateur et acteur Dennis Hopper à l’occasion de l’exposition à la cinémathèque de Paris. Sont interviewés Brice Matthieussent, J. F. Rauger, Serge Toubiana, Matthieu Orleans, Jean Baptiste Thoret, P. Edelman et Dennis Hopper.  Ils évoquent les débuts de Dennis Hopper, la réalisation de Easy Rider, sa rencontre avec James Dean, et l’émergence du road movie.

Résumé producteur : « Ceux qui ont vu L’Ami américain de Wim Wenders (1977) n’ont pas oublié son ouverture : un homme avec un chapeau de cow-boy arrive en taxi à Hambourg : c’est Dennis Hopper dans le rôle de Ripley. Il vient rendre visite à son vieil ami, le peintre Pogash interprété par Nicholas Ray, le premier grand cinéaste qui a fait jouer l’acteur Hopper dans les années 1950. (…) Acteur-icône qui a traversé l’histoire du cinéma hollywoodien en accompagnant les métamorphoses de l’Amérique depuis l’émergence du Rebelle dans les fifties (La Fureur de vivre, Géant) jusqu’au Freak bordeline des années 1980 et 1990 (Blue velvet, Speed), Dennis Hopper a explosé en donnant une incarnation définitive à la contre-culture américaine post-beat generation. (…) »

Cette émission de la collection Cinéma song, consacrée à la musique de films, s’intéresse à la bande son des films du Nouvel Hollywood.

Article sur le Nouvel Hollywood dans lequel différents zooms sont faits sur des réalisateurs emblématiques : sur Francis Ford Coppola (auteur non précisé), William Friedkin (auteur non précisé), George Lucas (auteur Gilbert Salachas), Steven Spielberg (auteur Alain Remond)

Chapitre consacré à Francis Ford Coppola : « la comédie des masques » (sur Cotton Club) de Jean. A. Gili ; « Y a-t-il un spectateur dans la salle ? » (Sur Cotton Club) de Vincent Amiel ; Stormy weather (Histoire d’une production) de Hubert Niogret ; « La saga du Parrain » de Michel Cieutat.

Ouvrage qui s’intéresse aux questions de l’esthétique du film, analyse de séquence et propos sur des théories du cinéma. Ce livre finit sur un chapitre consacré au Nouvel Hollywood (5 pages à ce propos, de la page 578 à 583).

En 1998, Lars Von Trier réalise Les Idiots, deuxième volet de sa trilogie « cœur en or » qui contient en premier Breaking the wave (1996) et en dernier Dancer in the Dark (2000). Le films suit des adultes anti-bourgeois qui se comportent comme des idiots pour provoquer le « politiquement correct ».

Soirée consacrée à Dogme 95 avec Breaking the waves, film long métrage de Lars von Trier suivi du documentaire de 27 minutes : Lars von Trier : reflets dans un cœur d’or de Xavier Villetard qui dresse un portrait du cinéaste. S’ensuit Free Dogme, un documentaire de 52 minutes de Marie Berthelius et Roger Narbonne sur le principe du « débat-tournage » dans lequel sont interviewés par téléphone Lars von trier, Jean Marc Barr, Lone Scherfig et Wim Wenders. Ils se filment en même temps qu’ils s’appelent mais ne se voient pas. Enfin, un vidéoclip : Lars Von Trier & the Idiot All star interprètent « You’re a lady ».

En 1998, Thomas Vinterberg réalise Festen, l’histoire d’un dîner de famille lourd en révélations. Ce film réalisé au début du mouvement Dogme95 en annonce les principes.

Le Nouveau cinéma scandinave, Le Documentaire culturel : spécial Cannes, ARTE, Stéphane Bergouhnioux, 17.05.2010, 53 minutes

Longtemps après Ingmar Bergman et après le Dogme 95 incarné par Lars von Trier (Palme d’or en 2000 et en compétition l’année dernière à Cannes), une nouvelle génération d’auteurs issue des écoles de cinéma scandinaves voit le jour. Avec talent et succès, et grâce à un système de production inter-pays propre à l’Europe du Nord, ces jeunes cinéastes développent une écriture formelle et des thématiques originales, entre goût de la transgression et préoccupations sociales et morales. En parcourant les paysages naturels et urbains de la Scandinavie, partie intégrante de ce cinéma, les réalisateurs du documentaire vont à la rencontre de ces jeunes cinéastes, pour comprendre avec eux ce qui fait leur identité.

Reportage dans lequel Martin Hanse Strange et Peter Schepelern s’expriment au sujet de Lars Von Trier. Martin Hanse Strange, réalisateur, commente l’influence du cinéaste Lars Von Trier et de son mouvement Dogme 95 sur le cinéma danois. Peter Schepelern, enseignant en étude cinématographiques et maître de conférence narre le parcours et la formation de Lars Von Trier qu’il eût en tant qu’élève.

Résumé producteur : « Le cinéma du Danois Lars von Trier, dont la personnalité énigmatique n’exclut pas un sérieux sens de l’humour, se caractérise par une exploration systématique des genres cinématographiques (thriller, historique, mystique, comédie musicale), qu’il se réapproprie et qu’il réinvestit tout à fait singulièrement en les traduisant au gré de ses obsessions et de son imaginaire personnel.  Sa quête inlassable de l’origine du mal, de ce fléau très singulier qui un jour, fit basculer l’Europe dans l’horreur, est interrogé sans relâche. (…) Avec Jean-Marc Barr, comédien dans les films Europa et Breaking the waves ; Claude Darras, plasticien ; Carole Desbarats, directrice de la Fémis ; Wolfgang Ernst, historien à l’Ecole supérieure des arts et médias de Cologne ; Jean Max Mejean critique à la revue Cinéma Action ; la voix de Lars von Trier. »

Le film La Communauté de Thomas Vinterberg narre une période qu’il regrette qui est la période de la communauté qu’il a connu, y ayant vécu. Il questionne ici l’individu dans le collectif.

Résumé producteur [Source site internet de France Inter] «  Près de vingt ans après son cultissime Festen, son nouveau film La Communauté sort aujourd’hui et c’est un évènement ! Thomas Vinterberg est l’invité d’Augustin Trapenard. Son cinéma nous parle des espoirs, des limites et des errances de la communauté. Dans ses films il en explore aussi bien les travers que les joies et les promesses. Son nouveau film, La Communauté, est donc à l’image de son oeuvre prolifique. Le cinéaste danois nous y raconte l’histoire d’une utopie collective, mise à l’épreuve par les lois impitoyables du désir. »

Chapitre consacré à Lars Von Trier. L’Europe après la pluie (sur Element of Crime) de Emmanuel Carrère ; Entretien avec Lars Von Trier  de Michel Ciment et Hubert Niogret.

Photos de tournages de Fête de famille (Titre original : Festen), réalisé par Thomas Vinterberg en 1998, interprété par Ulrich Thomsen, Henning Moritzen, Thomas Bo Larsen, Paprika Steen, Birthe Neumann.

(Suède)

Fanny et Alexandre, ARTE, réa Ingmar Bergman, 20.07.2015, version 3 heures, long métrage de fiction, VF

Long métrage original d’une durée de 5h et 26 minutes

Résumé producteur [Source iMedia] : « Après la mort tragique de leur père acteur, deux enfants souffrent du désastreux remariage de leur mère avec un évêque puritain de l’Eglise de Suède. En Suède, au début du XXe siècle. Helena Ekdahl, propriétaire du théâtre d’Uppsala, a invité sa famille et ses amis pour de somptueuses festivités de Noël. Ses trois fils sont présents, Oscar, comédien médiocre, Gustav Adolf, éternel coureur de jupons, et Carl, un professeur alcoolique. Parmi les petits-enfants qui prennent joyeusement part à la fête, Fanny et Alexandre. Au cours d’une répétition, leur père, Oscar, est victime d’une hémorragie cérébrale. Sa mort soudaine jette la consternation dans la famille Ekdahl. L’évêque Edvard Vergerus célèbre les funérailles. Il séduit Emilie, la jeune veuve, et bientôt l’épouse, au grand effroi des enfants, qui redoutent son puritanisme obsessionnel… »

Récompensé de quatre oscars et un césar.

(Canada)

Videodrome, Nuit Cronenberg, Canal +, réa David Cronenberg, 24.11.2000,

1 heure 23 minutes, long métrage, fiction, VF

Le patron d’une chaîne TV érotique capte un programme-pirate qui provoque des hallucinations et l’amène à se comporter de manière étrange.

Récompensé du prix du meilleur film de sciences fiction au festival international de film fantastique de Bruxelles. David Cronenberg remporte également le prix Génie du meilleur réalisateur et est nommé dans 7 autres catégories de ce prix.

Paris, Texas, ARTE, réa Wim Wenders, 13.05.1996, première diffusion, Rediffusé le 06.08.2009

long métrage, fiction, 2 heure 19 minutes

Un homme, Travis, erre dans le désert, sans famille. Son frère vient à sa rencontre et renoue avec lui. Ces retrouvailles permettent à Travis de renouer avec son fils avec lequel il part à la recherche de sa mère.

(Espagne)

Femmes au bord de la crise de nerf, France 2, réa Pedro Almodovar, 05.12.1996,

long métrage, fiction, 1 heure 25 minutes, VF

Ivan et Pepa, deux comédiens de doublage sont amants depuis plusieurs années. Subitement Ivan délaisse Pepa et elle comprend qu’il mène une double vie…

Il remporte de très nombreuses récompenses dont cinq Goyas, un Oscar, un Golden Globes et un BAFTA.

(Hong Kong)

Chungking express , Mon cinéclub, Canal +, réa Wong Kar-wai, 21.04.1997

1 heure 40 minutes, long métrage de fiction, VOSTFR

Deux policiers noient parallèlement leur chagrin d’amour…

Ce film remporte de nombreuses récompenses au Hong Kong film Awards, Faye Wong remporte le prix de la meilleure actrice au Festival du film de Stockholm et l’acteur Tony Leung Chiu-wai remporte le prix du meilleur acteur au Golden Horse Film Festival

(Taïwan, Hong Kong, Etats-Unis, Chine)

Tigre et dragon (Titre original : Crouching tiger hidden dragon), Canal +, réa Ang Lee, 06.05.2002

long métrage, fiction, 1 heure 55 minutes

Dans la Chine du XIXème siècle, Li Mu Bai possède une épée magique nommée « Destinée », elle est l’objet de nombreuses convoitises. Il la confie à une guerrière en lui donnant l’objectif de la remettre au seigneur Té mais une fois la nuit tombée, un voleur vient la lui dérober…

Ce film reçoit d’innombrables récompenses mais on peut cependant relever quatre oscars, deux Golden Globes, quatre BAFTA Awards et huit Hong Kong film Awards

(France, Allemagne)

Le fabuleux destin d’Amélie Poulain, Canal +, réa Jean Pierre Jeunet et Marc Caro, 04.09.2002

long métrage, fiction, 1 heure 56 minutes.

Amélie est pleine d’imagination. Elle vit dans Paris et se plait à observer la vie des gens autour d’elle. Elle se fixe l’objectif de rendre les gens autour d’elle heureux et va alors faire de nombreuses rencontres.

Ce long métrage remporte également de nombreuses récompenses et nous n’en nommerons que quelques unes : 4 césars, 2 BAFTA et 3 prix Lumières.

(Etats-Unis, France)

Mulholland Drive, Canal +, réa David Lynch, 14.05.2003

long métrage, fiction, 2 heures 20 minutes, VF

Une jeune actrice, Betty, tente de faire carrière à Hollywood. Parallèlement, une femme perd la mémoire dans un accident de voiture. Elle se réfugie alors chez Betty qui va l’aider à retrouver sa mémoire ainsi que son identité.

Ce film est récompensé du prix de la meilleure mise en scène au festival de Cannes, ex-aequo avec The Barber. Il remporte également le César du meilleur film étranger et le BAFTA du meilleur montage pour Mary Sweeney.

(Etats-Unis)

Kill Bill : volume 1, Canal +, réa Quentin Tarantino, 23.05.2005

long métrage, fiction,  1 heure 46 minutes, public + 16 ans, VF

Le jour de ses noces, une femme est laissée pour morte, au milieu de ses convives, morts. Quatre ans plus tard, elle sort du coma et décide de venger la mort de ses proches.

Ce film remporte entre autres, le prix du public au festival international de films de Catalogne. Il est nominé aux Golden Globes et au BAFTA Awards.

(Brésil)

La Cité des hommes = Cidade dos homens, Mardi découverte, Canal +, réa Paulo Morelli, 01.09.2009

1 heure 46 minutes, long métrage de fiction

Acerola et Laranjinha, deux amis âgés de 18 ans, vivent dans les favelas  de Rio de Janeiro. Ils voient une guerre des gangs éclater…

En prolongement de la série du même nom, Paulo Morelli raconte les favelas, questionnant les problématiques de gangs, de violences.

Ce film est nominé au Cinema Brazil Grand Prize

(Mauritanie, France)

Timbuktu, Coup de cœur, Canal +,  réa Abderrahmane Sissako, 23.02.2016

Long métrage de fiction, 1 heure 31 minutes

Des djihadistes imposent leurs lois dans un village non loin de Tombouctou. Face à eux, les habitants tentent de se rebeller mais les djihadistes imposent la charia et des sentences à ceux qui ne respecteraient pas leurs lois.

Reçoit de nombreuses récompenses dont 7 prix aux Césars, le prix du jury du Festival de Cannes ainsi que le Globes de Cristal.

(Etats-Unis)

The Revenant, Canal +, réa Alejandro Gonzalez Inarritu, 28.02.2017, long métrage, fiction, 2 h27 min, VF

Résumé producteur [Source iMedia] : « Au debut du XIXe siècle, un trappeur, attaqué par un ours et affaibli par ses blessures, parcourt 300 kilomètres pour retrouver l’assassin de son fils. Au début du XIXe siècle, Hugh Glass, un trappeur accompagné par son fils, un Indien métis, guide des colons. Le convoi est attaqué par des Indiens et tente de leur échapper par les montagnes. Grièvement blessé par un ours, Glass est confié à John Fitzgerald, qui le déteste, et au jeune et innocent Jim Bridger. Fitzgerald tue le fils de Glass, ment à Bridger et le convainc d’enterrer le trappeur. Mais Glass parvient à s’extirper de sa tombe, bien décidé à retrouver celui qui lui a enlevé son fils. Affaibli par ses blessures, il peut compter sur sa soif de vengeance pour parcourir les 300 kilomètres qui le séparent de son pire ennemi… »

Récompensé de divers prix dont 3 Golden Globes et 3 Oscars.

(France, Allemagne, Turquie, Qatar)

Mustang, Coup de cœur, Canal +, réa Deniz Gamze Ergüven 26.04.2016

Long métrage de fiction, 1 heure 33 minutes

Résumé producteur [Source iMedia] : « Dans un village turc, cinq jeunes filles sont confrontées aux traditions rigoristes de leur entourage. Elles sont bientôt enfermées dans la maison familiale. C’est le dernier jour de l’année scolaire dans un village reculé de Turquie. Lale et ses quatre soeurs rentrent de cours et jouent à la plage avec des garçons. Mais leurs jeux innocents font grand bruit dans le village très conservateur et leur grand-mère, outrée par ce qu’elle estime être de l’impudeur, les sanctionne dès leur retour à la maison. Entre les jeunes filles et les adultes, c’est le début d’une confrontation faite d’incompréhension. Peu à peu, la maison familiale se transforme en prison pour les jeunes filles qui ne rêvent que de liberté et se rebellent contre les traditions… »

Ce film remporte de nombreuses récompenses dont le prix Label Europea Cinema de la Quinzaine des réalisateurs, le duc d’or du meilleur film au festival international de films d’Odessa, 4 prix Lumières, 4 Césars.

(Royaume Uni, France)

Moi, Daniel Blake, Canal +, réa Ken Loach, 07.11.2017, long métrage, fiction, 1 heure 36 minutes, VF

Résumé producteur [Source iMedia] : « Alors qu’il se bat pour avoir une allocation, un menuisier de 60 ans, cardiaque, croise la route d’une mère de deux enfants qui peine à survivre. Atteint d’une maladie cardiaque, Daniel Blake, menuisier, ne peut plus travailler. Or, l’administration ne l’entend pas de cette oreille : il doit rechercher un emploi sous peine de sanction. Alors que, âgé de 59 ans, il doit apprendre à se débrouiller avec un ordinateur pour faire ses démarches, il croise le chemin de Katie, une femme célibataire mère de deux enfants. Elle a dû quitter sa ville natale pour ne pas être placée dans un foyer d’accueil. Ensemble, ils vont se serrer les coudes. Daniel finit par décrocher un emploi mais doit renoncer à cause de ses problèmes de santé. Il engage alors une bataille contre l’administration et ses aberrations… »

Récompensé de la Palme d’Or au festival de Cannes, ainsi que du César pour le meilleur film étranger et 4 BAFTA

(Corée du sud)

Mademoiselle, Canal +, réa Park Chan-Wook, 13.11.2017

long métrage de fiction, 2 heures 16 minutes

Dans les années 1930, en Corée, une femme riche vit recluse dans un manoir avec son oncle tyrannique. Un escroc qu’on nomme « le Comte » engage une pickpocket qu’il place comme servante chez la riche femme.

Remporte le prix Vulcain de l’artiste technicien à la Compétition officielle du Festival de Cannes, pour Ryu Seong-hie, directeur artistique et le Boston Online Film Critics Association Awards pour le meilleur film en langue étrangère, parmi d’autres prix.

Collection qui recense entre 1977 et 2004 les films sortis à l’année.

Exemple : « L’année du cinéma 2000 » ; « L’année du cinéma 1983 » etc.

Des chapitres sont consacrés au « films phares » et aux festivals.

Résumé éditeur : « L’ambition de ce livre est de tracer le portrait d’un moment clé du cinéma, les années 90, où les mutations économiques, esthétiques, technologiques ont obligé le  cinéma à s’interroger sur lui-même et à penser son avenir sur fond de prolifération d’autres images. Ce livre s’ouvre sur une réinterprétation de la Nouvelle   Vague, période qui a façonné l’auteur dans ses racines de spectateur de cinéma , et s’achève sur les interrogations les plus contemporaines autour de l’image, du côté des événements du 11 septembre 2002 et de la télé réalité. Entre les deux, le livre suit l’évolution du cinéma français contemporain et ses auteurs importants (Brisseau, Desplechin, Claire Denis, Catherine Breillat…), explore certaines voies majeures du  cinéma européen (Monteiro, Lars von Trier, Kusturica…), analyse la vision contemporaine de l’œuvre de grands cinéastes modernes (Nicholas Ray, Antonioni, Bunuel, Eastwood, Debord…), évoque l’irruption du cinéma asiatique (Kitano, WongKar wai, Hou Hsiao hsien…), les métamorphoses du cinéma américain (Kubrick, Lynch, Tim Burton, les frères Coen, Jarmusch…) et s’arrête sur l’éclatement du  cinéma touché par le clip, les séries TV, les nouveaux modes de consommation de l’image avec quelques paris pour l’avenir (…)

Ce livre préfacé par Michel Marie questionne la place du cinéma français dans le genre. Il s’agit de construire une nouvelle approche du cinéma français à travers une analyse générique.

Une émission qui questionne les liens entre la peinture et le phénomène cinématographique à travers des interviews de différents peintres que sont Max Ernst, Salvador Dali, Fernand Léger ainsi que deux peintres devenus cinéastes : Robert Lapoujade et Robert Bresson. Ces interviews alternent avec des vues de peintures, des collages, et des extraits de films.

Résumé producteur : « Pour savoir ce qui se passe dans la tête d’un peintre, il suffit de suivre sa main.” Suivre la main du peintre, c’est la démarche choisie par Henri-Georges Clouzot pour rendre compte de l’oeuvre de Pablo Picasso. En 1955, Picasso se prête au jeu de Clouzot : la caméra le filme alors qu’il peint au gré de son inspiration. Mais, la main de l’artiste est invisible. Placée derrière le chevalet, la caméra filme par transparence. Comme par magie, les traits, les formes, les personnages apparaissent progressivement à l’écran. Les esquisses se succèdent, d’abord à l’encre noire, puis en couleur, le tout orchestré par des musiques de Georges Auric. (…) »

Reportage sur le film Our city dreams de Chiara Clemente. Documentaire qui s’intéresse aux femmes artistes à New York.

Reportage consacré à l’exposition Renoir, père et fils. Peinture et cinéma qui a lieu au Musée d’Orsay à Paris. Retour sur les parcours d’Auguste Renoir, peintre et son fils Jean Renoir, cinéaste, et, sur leur influence mutuelle. Jean Renoir a posé à de nombreuses reprises pour son père et épouse l’une de ses modèles, Catherine Hessling. Elle devient par la suite une actrice récurrente de ses films. Ce reportage analyse le parcours du cinéaste et les points communs entre ses œuvres et celles de son père.

Commentaire sur images factuelles, iconographies et extraits de films en alternance avec les interviews de Sylvie Patry, commissaire de l’exposition et Matthieu Orlean, collaborateur artistique de la Cinémathèque française.

Ce long métrage qui retrace la vie de Van Gogh et mène une enquête concernant sa mort est réalisé uniquement avec une animation de toiles peintes à la fois par Van Gogh et par d’autres artistes qui se sont inspirés de l’esthétique du peintre. 120 tableaux de Van Gogh apparaissent dans ce long métrage.

Résumé producteur [Source iMedia] Devant remettre une lettre au frère de Van Gogh qui vient de se suicider, le fils d’un facteur part à la découverte de l’oeuvre et des fêlures du peintre. Vincent van Gogh vient de se suicider. Avant de commettre son geste fatal, il a écrit une lettre à son frère Théo qu’il a remise au facteur Joseph Roulin. Celui-ci charge son fils Armand de livrer la missive. Jaloux de la relation entre son père et le peintre, le jeune homme renâcle à accomplir cette mission. A Paris, il ne parvient pas à retrouver Théo, anéanti par la disparition de son frère. Armand se rend à Auvers-sur-Oise, où Van Gogh a passé les derniers mois de sa vie, pour tenter de comprendre les tourments du génial artiste…

Collection de magazine de l’actualité des arts plastiques produite et présentée par Georges Charensol. L’émission est composée de plusieurs sujets, avec entretiens, reportages, chronique. Chaque séquence est séparée de la suivante par une plage musicale. Jean Dalevèze anime la chronique des expositions. Le magazine devient “L’Art vivant” en 1963 sur France Culture

L’Art et la vie : émission du 2 juillet 1948, pré Georges Charensol 02.07.1948, 20 minutes

Emission sur l’actualité artistique présentée par Georges Charensol dans laquelle il est question du premier congrès du film sur l’art qui s’est tenu à Paris. Luciano Emmer, auteur italien d’un film sur Giotto explique sa conception d’un film sur l’art ; Henri Storck, réalisateur belge dit que la matière cinématographique vient avant la peinture ; un critique d’art dit que la technique de la critique d’art va évoluer avec les méthodes cinématographiques d’analyse d’une œuvre. Enfin, Gaston Diehl parle de la naissance de la fédération internationale du film sur l’art regroupant des réalisateurs et des conservateurs de musées.

L’art et la vie : émission du 21 septembre 1950, pré Jean Dalevèze,  21.09.1950, 25 minutes

157ème émission de ce magazine, ici consacrée aux fouilles archéologiques en France, à l’exposition d’horlogerie, aux films sur l’art et au nouveau musée arménien. Jean Dalevèze réunit pour un débat, entre autres, René Lucot qui parle de son film sur Bourdelle ; Robert Hessens qui parle de Van Gogh et Guernica avec Alain Resnais.

Jean-Jacques Lévêque s’entretient avec le peintre Charles Lapicque et le cinéaste François Reichenbach à propos des liens entre le cinéma et la peinture. Charles Lapicque s’exprime à propos des rapports du peintre au cinéma et dit également que la peinture est plus rapide que le cinéma pour représenter car elle n’a pas besoin de déroulement. François Reichenbach évoque les différences entre la peinture et le cinéma et dit de Lapicque qu’il est le plus cinématographique des peintres.

documentaire, 1h 30 minutes

Résumé producteur : « Robert Bresson, peintre et cinéaste, définit le film comme une surface à couvrir et constate que “tout finit sur un rectangle de toile blanche suspendu à un mur”. Les relations qui unissent le cinéma et la peinture sont multiples. On évoquera la perfection plastique atteinte par le muet à son apogée, les références explicite du 7e Art aux écoles picturales, les biographies de peintres à l’écran : les Van Gogh de Resnais, Minnelli, Altman et, bientôt, de Maurice Pialat (ancien peintre lui aussi). De Man Ray et Fernand Léger à Christian Boltanski, les plasticiens des différentes avant-gardes ont aussi expérimenté par le film (et aujourd’hui la vidéo). Quant aux techniques de l’animation synthèse du cinéma et des arts graphiques, elles ont permis à Len Lye et à Mc Laren de peindre et graver directement sur la pellicule, à Robert Lapoujade et à Yves Charnay de réaliser des peintures animées image par image. Tous ces thèmes seront abordés dans l’émission, qui privilégiera cependant un autre aspect de la question : comment filmer la peinture ? Des réalisateurs de documentaires, des peintres et des spécialistes du film d’art analyseront ce genre cinématographique.»

Résumé producteur [Site Internet de France Culture] : « L’impressionnisme et la naissance du cinématographe. Cette exposition, à travers des comparaisons documentées sur les relations entre ces trois supports de création artistique  peinture, photographie et cinéma se propose de mieux faire comprendre comment s’est construit un des arts majeurs de notre civilisation de l’image et de la communication. La dette du cinéma naissant vis-à-vis des partis techniques des peintres impressionnistes apparaît tout à fait évidente notamment à travers les œuvres de Claude Monet, Toulouse-Lautrec, Camille Pissarro ou Auguste Renoir, lui-même père de l’un des plus importants cinéastes français. »

Émissions consacrées à l’art de filmer l’art, à ce que le cinéma a apporté à l’art et vice versa. Cette émission est composée de récits de réalisateurs concernant leurs manières de filmer, mais aussi d’analyses de théoriciens qui questionnent comment certains artistes sont devenus, par exemple, des cinéastes expérimentaux. La première partie est consacrée à l’art de filmer les artistes. François Levy-Kuentz parle de la réalisation de son film sur Calder, Gisèle Breteau Skira commente le film Henri Matisse de François Campaux, Alain Bergala et Alain Fleisher parlent de l’apport du cinéma à la peinture…

Emission présentée par Michel Ciment, consacrée aux rapports entre peinture et cinéma. 4 écrivains sont invités : Laurent Darbellay auteur de Luchino Visconti et la peinture. Les effets picturaux de l’image cinématographique ;  Joëlle Moulin, autrice de Cinéma et peinture et Biographie de peintres à l’écran et enfin Alain Bonfand pour Le cinéma saturé. Essai sur les relations de la peinture et des images en mouvement. Les invités expliquent le point de départ et le développement de leur thèse sur l’étude de la relation entre peinture et cinéma.

Article d’André Bazin « le Cinéma et la peinture », à propos de Van Gogh et Rubens. Cette étude de Bazin sur les liens entre cinéma et peinture paraît dans Qu’est ce que le cinéma d’André Bazin en 2002 avec un chapitre intitulé « Peinture et cinéma ».

Emission qui tente de définir ce qu’est le fantastique au cinéma. Composée d’interviews de critiques, metteurs en scène, réalisateurs (David Lynch, Cronenberg, Verhoeven, Alan Parker et bien d’autres) et d’extraits de films fantastiques, cette émission se propose d’étudier la partie inconsciente de l’imaginaire transcrite sur grand écran.

Reportage consacré à Phil Tippett, grand spécialiste des effets spéciaux qui s’est fait connaître pour avoir fait le stop motion dans Star Wars, et l’un des précurseur du Go motion. A partir de l’interview de Phil Tippett, l’émission retrace l’évolution des effets numériques, du stop motion vers le go motion, à partir des extraits de divers films.

Les Robots au cinéma, Ciné star, TF1, réa Pierre Desfons, pré Michel Denisot, 12.01.1988, 1h4 minutes

Michel Denisot présente un magazine consacré aux robots mais surtout à celui du film de Robocop. Jacques Gastineau, réalisateur d’effets spéciaux montre un robot gorille télécommandé en action et explique sa fabrication. Différents cinéastes sont interviewés dont Paul Verhoeven et Phill Tippett. D’autres cinéastes encore viennent présenter leur machines et certaines analyses d’extraits sont faites sur quelques films présentés au festival d’Avoriaz

Résumé producteur : « De tout temps, dans ses phantasmes démiurgiques, l’homme a rêvé de reproduire les mécanismes du vivant, d’animer des créatures artificielles, voire de recréer la vie même. La magie du cinéma a enfanté sa cosmologie où se croisent robots, androïdes, pantins articulés, dinosaures, automates, hommes-machines, extraterrestres… Utilisant trucages, maquettes articulées, effets spéciaux et aujourd’hui images de synthèse, le cinéma fantastique suit l’évolution de la science et des techniques jusqu’aux développements actuels de la génétique et de la robotique. Avec Philippe-Alain Michaud, responsable de la programmation du cycle de films “Ex Machina, la fabrique des corps animés” (au printemps dernier à l’auditorium du Louvre ; Jackie Borne, journaliste à France 2. »

Réjane Hamus-Vallée, maître de conférence en sociologie visuelle, spécialiste des effets spéciaux et Julien Pettre, chercheur en informatique et en sciences du numérique à l’INRIA sont interviewés. Emission consacrée à l’exposition « Effets spéciaux, crevez l’écran ! », exposition consacrée à comprendre les effets spéciaux, explication de ce qu’est la performance capture, le fond vert etc …

Pascal Pinteau et Christophe Guillon, spécialistes des effets spéciaux  viennent expliquer les trucages et effets spéciaux, mais surtout le trucage numérique et comment il est devenu omniprésent dans la superproduction.

Résumé éditeur : (…) sans les trucages et les effets spéciaux, Hollywood ne serait pas tout à fait ce qu’il est : une formidable usine à sensations qui, depuis les débuts du cinéma, fait palpiter le coeur des publics les plus divers. Films catastrophes ou de science-fiction, films de guerre, thrillers ou peplums : tous font appel aux trucages. Effets spéciaux, cascades, maquillages sont devenus indispensables aux réalisateurs à succès, comme en attestent E. T. l’extra-terrestre, Indiana Jones et le temple maudit ou La Guerre des étoiles. Pour la première fois, ce livre place en haut de l’affiche cascadeurs et maquilleurs, décorateurs et réalisateurs de deuxième équipe, les Keystone Cops de Mack Sennett, Yakima Canutt, Ralph Hammeras, Rob Bottin, Carlo Rambaldi… ces hommes de la production qui ont permis au septième art de réaliser l’impossible. (…)

Unité regroupant divers documents réunis par Jean Jacques Ledos pour les besoins d’une recherche sur l’évolution des effets spéciaux au cinéma et à la télévision.

Première partie de la compilation Histoires d’images 1987 – Animation, qui présente des courts métrages d’animation en montrant différentes techniques d’animation. Cette compilation a été réalisée et produite par l’INA et projetée lors du festival Imagina de 1987. Le programme Histoires d’images 1987 est composé de trois thèmes : Texture, Animation et Métamorphoses, chaque thème ayant donné lieu à une compilation de courts métrages en images de synthèse ou en animation traditionnelle.

Un reportage qui tente de définir ce qu’est la french touch en comparant les productions françaises et états-uniennes de films d’animation.

Résumé producteur [Source iMedia] : « Une enquête entre la France et les Etats-Unis, avec les interviews de Moebius, Pitof, Jean-Jacques Annaud et les Français des studios ILM et Dreamworks. »

Résumé producteur [Source iMedia] : « Gros plan sur les technologies nouvelles et les effets spéciaux qui transforment l’économie du cinéma. »

Reportage consacré à la formation au cinéma d’animation de l’école des Gobelins, à Paris. Les responsables insistent sur la nécessaire ouverture professionnelle de l’animation. Des extraits de films d’animation (Chronos 10 ; Burning safari ; Anima Facta Est ; Voodoo ; Cocotte minute) alternent avec les interviews de Marie France Zumofen, responsable du département animation ; Eric Riewer, responsable des relations internationales ; Fred Nagorny, enseignant en cinéma d’animation ; Ludovic Bouancheau, étudiant promo 2007.

Résumé producteur  [Source iMedia] : « Une petite fille, dont les parents ont été changés en cochons, doit accomplir certaines tâches afin de leur faire retrouver une apparence humaine. La petite Chihiro accompagne ses parents dans une promenade sylvestre qui doit les conduire vers leur nouvelle maison en banlieue. Mais, alors qu’elle prend un raccourci à travers un tunnel peu emprunté, la petite famille se retrouve soudain en territoire inconnu. Le temps de retrouver leur chemin, ils font une halte dans un gigantesque restaurant en plein air, totalement déserté. Affamés, les parents de Chihiro commencent à goûter les plats proposés dans les diverses échoppes, ce que la jeune fille, intimidée par le lieu, se refuse à faire. Hypnotisés par les plats succulents, ses parents s’empiffrent à une vitesse inquiétante avant de se changer, sous les yeux d’une Chihiro horrifiée, en énormes cochons… »

Ce court métrage tunisien questionne l’oubli et le rapport que l’on a à l’amnésie et au temps.

Résumé producteur [Source site internet d’ARTE] Retour sur l’étonnante fabrication de ce film, avec Nicolas Pasquet, l’un des 4 réalisateurs de Nobrain. Nobrain est un collectif de réalisateurs réputés pour leur capacité à mélanger les techniques. En pleine phase de bruitage et de post-synchronisation, Nicolas Pasquet, l’un des 4 réalisateurs du film, évoque leur processus de fabrication complexe.

Résumé producteur [Source iMedia] : « Du fleuve Niger aux barbelés de l’enclave de Ceuta, les rêves d’un jeune malien se confrontent à la dure réalité des migrants. »

Le réalisateur de Ma Vie de courgette, Claude Barras et la scénariste de ce film d’animation Céline Sciamma s’entretiennent avec Laurie Cholewa au sujet du scénario et des techniques d’animation de Ma vie de Courgette. Leurs interviews sont entrecoupées d’extraits du film.

Icare préfère qu’on l’appelle Courgette. Il n’a plus de parents et se retrouve dans un foyer avec des enfants qui ont eût un parcours difficile. Ensemble, ils vont trouver goût à la vie et voir les choses autrement, et, ce n’est pas sans compter l’arrivée de la petite Camille dont Courgette va tomber amoureux…

1952-1967

Reflets de Cannes, 1ère chaine, pré François Chalais, 1952-1967, entretien, reportage, 18 minutes

De 1953 à 1968, François Chalais a suivi le Festival International du film de Cannes. Au fil des années, l’émission s’organise et dispose de moyens plus importants. Le studio d’enregistrement où François Chalais reçoit comédiens et réalisateurs est installé dans la réserve de l’Hôtel Miramar. Dans ses premières années Reflets de Cannes est une chronique quotidienne du Festival, puis elle passe d’une moyenne de six émissions en 1957 à une seule et dernière émission en 1967.

1954 

Ouverture du festival du cinéma à Cannes, Journal Les Actualités Françaises, 54-14 Rubrique : “La semaine” 01.04.1954, presse filmée, 45 minutes

Reportage consacré à l’ouverture du 7ème Festival international du film avec des images de nombreuses vedettes sur la Croisette ou lors de la montée des marches du palais : Robert Mitchum, Edwige Feuillère, Jean Pierre Aumont, Michèle Morgan et Jean Cocteau.

Cannes 84 : le palmarès du 37ème festival, Antenne 2, Pierre Tchernia, 23.05.1984, 26 minutes

Pierre Tchernia présente cette cérémonie présidée par Dirk Bogarde, et intégralement retransmise en eurovision : Helen Mirren, absente, obtient le prix de la meilleure interprétation féminine pour Cal de Pat O’ Connor qui reçoit le prix à sa place ; Nathalie Baye remet un double Prix d’interprétation masculine à Alfredo Landa et Francisco Rabal pour Les Saints innocents ; Faye Dunaway remet la Palme d’Or à Wim Wenders pour Paris Texas.

Ce documentaire raconte les 50 années du Festival de Cannes en démarrant sur un extrait du film Gilda avec Rita Hayworth. Le premier festival a eu lieu en 1946, les suivants ont été annulés en raison de la guerre. Les années 50 sont représentatives de l’époque “glamour” du festival, les années 60 de la « Nouvelle vague » et des cinéastes français, de jean Pierre Léaud, François Truffaut, Jacques Demy. Le festival est annulé lors de l’année 68 en raison des évènements politiques de mai 68, quant aux années 70, La Grande bouffe provoque un scandale. Les années 80 marquent le début de la surmédiatisation et de la starisation du festival mais elles sont aussi la récompense de talents américains comme Scorcese ou Coppola. Enfin, le documentaire présente les dernières palmes des années 90 et montre Jane Campion, première femme à avoir reçu la Palme d’or.

Rétrospective à base d’archives et de photos d’archives et d’extraits de films sur le premier festival de Cannes qui devait s’ouvrir le 1^er septembre 1939 mais qui fût annulé à cause de la déclaration de la guerre.

Voir aussi Cannes 1939 : le festival n’aura pas lieu, France 5, 12.05.2019, réa Julien Ouguergouz, documentaire, 52 minutes

Magazine composite à structure variable consacré à l’actualité du  Festival international du Film de Cannes et présentant les films en compétition. Cette émission a pour but de rendre compte de l’atmosphère générale du festival ainsi que du déroulement des projections et des impressions suscitées par les films.

Interviews au sujet d’un film diffusé à Cannes, on demande au réalisateur de présenter son film.

Résumé producteur [Source site internet de France Inter] : « Dans le bunker de Cannes qui a été baptisé Palais des Festivals, une plaque a été vissée dans le béton – puis assez vite escamotée, d’ailleurs : Jean Zay y était honoré comme le créateur du Festival international du film. Le ministre, rescapé en 1939 de l’équipe du Front populaire de 1936, avait mené l’affaire à marches forcées. Il s’agissait de contrer la Mostra de Venise qui, de rendez-vous international du cinéma, devenait un outil pour Goebbels et, après les funestes accords de Munich, de mener face à l’Axe, par la culture, une diplomatie enfin offensive. (…)  Cannes 39, festival antifasciste, s’annonçait aussi comme une vitrine pour le cinéma US qui fournissait le tiers de la sélection. (…) La municipalité et les hôteliers de Cannes se réjouissaient de pouvoir prolonger leur saison d’été : cette première édition était prévue pour le début de septembre. La déclaration de guerre l’empêcha d’avoir lieu. Alors, un festival avorté ? Plutôt un festival ajourné puisque, comme pour beaucoup d’idées de Jean Zay, la réalisation vint après la Libération. »

Patrice Gelinet reçoit Jean Olle Laprune, spécialiste et historien du cinéma français, et fondateur de la chaîne Cinéclassic, à propos du 60ème Festival de Cannes. Leur entretien est illustré de sons d’archives.

Le FESPACO est l’occasion de présenter des films africains, et montrant les relations culturelles et économiques panafricaines. Différents cinéastes comme Souleymane Cisse, Gaston Kabore ou Merzak Allouache viennent expliquer leurs démarches et leurs films.

A Ouagadougou s’est tenue la 22ème édition du festival du film africain FESPACO. La programmation a fait grand place aux productions des pays arabes et plus particulièrement du Maghreb et de l’Egypte, annonciatrices des mouvements de révoltes qui eurent lieu au printemps. En alternance des commentaires sur images et extraits de films avec les interviews des cinéastes suivants : Abdelkrim Bahloul, Daoud Aoulad Syad, Iman Kamel, Férid Boughedir et Mohamed Moufkatir.

Résumé producteur [Source iMedia] « Le cinéma égyptien et maghrébin a été largement représenté lors de la 22e édition du Festival du film africain qui s’est déroulé du 26 février au 5 mars 2011 à Ouagadougou, au Burkina Faso. Une dizaine de documentaires, courts et longs métrages attestent des prémices des bouleversements politiques et sociaux qui transforment le monde arabe. »

Résumé producteur [Source iMedia] : « Depuis près d’un demi-siècle, Ouagadougou, capitale du Burkina Faso, accueille tous les deux ans le plus grand festival du film africain, le FESPACO. Le comédien Oyou, vedette de séries africaines, propose une visite de l’événement. »

Étalon de bronze à la 24^ème édition du FESPACO, en 2015

Résumé producteur [Source iMedia] : « Dans la capitale d’un pays africain, une avocate est chargée d’éviter la peine de mort à son client, un chef rebelle. Dans la capitale d’un pays africain, Blackshouam attend son procès. En prison, il ne cesse de subir de mauvais traitements ce qui révolte Maître Emma Tou, chargée de lui épargner la peine capitale que les autorités et l’opinion lui promettent. Par crainte et sur la demande de ses parents, elle avait d’abord refusé de défendre ce criminel de guerre, lieutenant du Front de libération et responsable de la mort de milliers de personnes, de pillages, de viols et autres exactions. Mais, elle découvre que son client a lui-même été enrôlé en tant que soldat quand il était enfant… »

Actualités du festival du FESPACO, ambiance du festival, extraits de films et extraits de discours.

L’émission est consacrée au festival du cinéma FESPACO qui se déroule à Ouagadougou (Burkina Faso). Il réunit des films de cinéma, de télévision, des courts-métrages, des séries, etc. Dans la première partie de l’émission, les journalistes s’entretiennent avec Alain Gomis dont le film Félicité est en compétition et avec Daouda Coulibaly pour son film Wùlu, également en compétition. Dans la deuxième partie de l’émission, il est question des vingt films en compétition pour cette 25^ème édition.

Jackie Buet, directrice du Festival International du Film de Femmes interview des professionnelles du cinéma, à l’occasion du FIFF de Créteil qui a lieu tous les ans depuis 1979. Ces entretiens permettent de mettre en mémoire différents parcours de cinéastes et questionnent l’existence ou non d’un cinéma de « femmes »,

Résumé producteur [Source jaquette DVD “Les Leçons de cinéma -1”] : « inaugurées en 1998, les “Lecons de cinéma” permettent une rencontre privilégiée avec des réalisatrices. En petit comité, dans l’ambiance feutrée d’un studio spécialement aménagé, les réalisatrices invitées au Festival International de Films de Femmes de Créteil disposent d’un libre temps de parole pour s’exprimer sur leur cinéma. D’où l’idée de leur poser trois questions essentielles, afin de cerner ce qui est important pour elles, ce qu’elles regardent et ce qu’elles “fixent” sur la pellicule.

. Pouvez-vous nous parler de votre parcours et de votre rencontre avec le cinéma ?

. Avez-vous une formation cinématographique, ou êtes-vous arrivée au cinéma par d’autres chemins ?

. Pouvez-vous nous décrire votre méthode de travail, votre manière de faire du cinéma ? »

Résumé producteur [Source iMedia] : « Le parcours de reconstruction de deux femmes, victimes d’un même violeur, est émaillé de scènes de confrontation entre soldats israéliens et palestiniens. Nira, monteuse à la télévision et mère célibataire, et Lily, une militante de gauche qui aide les Palestiniens à la cueillette des olives, victimes d’un même violeur en série il y a vingt ans, se rencontrent par hasard. Ensemble, elles tentent d’exorciser leur peur. Leur parcours difficile est émaillé de scènes de confrontation entre soldats israéliens et palestiniens… »

Grand Prix du jury en 2012

Au sujet du combat d’une femme pour sortir de la violence conjugale. Grand prix du jury en 2004

Qu’est-ce donc qu’un film de femme ?, Le Petit salon, France Culture, pro Lucile Commeaux, 07.03.2017, 11 minutes

Résumé producteur [Source : site internet France Culture] : « Alors que va se tenir à Créteil la 39e édition du Festival International du Film de Femmes : à quoi donc correspond une telle dénomination ? Un festival qui se tient après la sortie de divers rapports en ce début d’années 2017, concernant la condition féminine dans le milieu du cinéma, et notamment un rapport du Centre National du Cinéma paru le 23 février dernier(…). Il montre une évolution en faveur de la parité et de l’égalité, mais qui reste largement insatisfaisante. Surtout il donne indirectement des informations sur ce qu’on appelle un “film de femme”. C’est d’abord dans l’esprit de beaucoup un film réalisé par une femme, c’est d’ailleurs le sens du Festival de Créteil qui affirme dans sa charte “favoriser un cinéma réalisé par des femmes”.(…) Un “film de femme” c’est encore un film moins vu, peu de films réalisés par des femmes dépassent le million d’entrées. (…) Dernière hypothèse, sans doute la plus problématique mais en même temps la plus intéressante, est-ce qu’un “film de femme” est un film sur les femmes, ou encore autre chose un film féminin, est-ce qu’il possède dans sa manière, dans les thèmes qu’il aborde, quelque chose de genré. Là on touche à des questions délicates et esthétiques (…) que le Festival de Créteil assume tout à fait, j’ai l’impression qu’il faut entendre dans son titre toute la polysémie de l’expression “film de femme”. (…) »

Différents extraits de films du festival d’animation d’Annecy sont montrés et des réalisateurs parlent de leurs films, expliquant la difficulté du cinéma d’animation à se déployer à cette période. Ils montrent aussi de manière technique comment ils procèdent pour animer.

Émission consacrée à trois courts métrages : Jeu de l’inconscient (titre original : Subconscious Password) de Chris Landreth, un court métrage canadien qui propose un parcours dans la mémoire du personnage. Ce court métrage reçoit le Cristal d’or du meilleur court métrage à Annecy en 2013. Le deuxième court métrage, Tempête sur anorak de Paul Cabon, est un court métrage français dans lequel des scientifiques sont pris dans une tempête sur les côtes bretonnes. Enfin, L’étrange disparition de monsieur Walter Werner de Caroline Murrell, un autre court métrage français traitant du dédoublement de la personnalité.

Image : Tempête sur anorak de Paul Cabon

Michel Ciment s’entretien avec Jean-Luc Xiberras, le délégué général du Festival de Cinéma d’Animation d’Annecy. Ils discutent de l’histoire du festival d’Annecy qui est issu des Journées du Cinéma d’animation du Festival de Cannes, ils expliquent les différentes sections du festival, l’organisation de la sélection, le marché du film d’animation. Ils évoquent également le cinéaste japonais Hayao Miyasaki dont le film Porco Rosso  était présenté.

A l’occasion du festival du cinéma d’animation d’Annecy, Michel Ciment  s’entretient avec deux cinéastes d’animation qui ont été primés lors de ce festival : Michel Ocelot, pour sa série Le Manteau de la vieille dame et Jacques Colombat pour son long métrage Robinson et compagnie. Ils parlent de leur formation respective, des raisons pour lesquelles ils sont devenus cinéastes d’animation et leurs projets à venir. Ils commentent également la situation du cinéma d’animation en France, le fait qu’il y ait peu de production de courts et longs métrages d’animation mais qu’un débouché soit possible par le biais de la série télévisée.

Emission consacrée à la 31^ème édition du festival d’Angers, Festival Premiers Plans qui avait lieu du 25 janvier 2019 au 3 février 2019. À cette occasion, Court Circuit diffuse trois courts métrages qui ont été diffusés : Beautiful Looser  de Maxime Roy, Bloomstreet 11 de Nienke Deutz et Vilaine fille de Ayce Kartal, en alternance avec des interviews de réalisateurs. 

Résumé producteur [Source site internet de France Culture] : « Les Frères Dardenne : “On croit beaucoup aux vertus de la répétition car plus on répète plus on s’oublie, on laisse de la place aux personnages”. Lors de cette Masterclasse enregistrée au festival Premiers Plans d’Angers, les réalisateurs et producteurs Jean-Pierre et Luc Dardenne reviennent sur leurs pratiques de cinéma, partant de l’idée initiale à la sortie de leurs œuvres en salle. (…) »

Brève présentation sous forme de bancs-titres du ou des films programmés le dimanche (après-midi et soirée). Des  photographies et des dessins peuvent illustrer le thème du film.

Brève présentation du film d’horreur hebdomadaire

Court magazine qui présente les films et leur bande annonce sous un œil critique.

magazine, bande annonce, 6 minutes

Ce magazine hebdomadaire de format court sans plateaux est programmé le mercredi, jour des sorties cinématographiques. Il présente les bandes annonces d’une sélection de films diffusés en France.

Magazine court hebdomadaire présentant en voix-off les sorties cinéma de la semaine y compris les reprises. Ce magazine présente surtout les sorties françaises et européennes        

En voix off est présentée une bande annonce du film qui va être diffusé juste après, dans l’hebdo cinéma de Canal +

Magazine cinématographique consacré à la sortie en salle des nouveaux films.

Mémoire sur la bande annonce sous la direction de Guillaume Soulez ayant pour problématique: “quelle est la part des promesses des chaînes dans les bandes annonces de films diffusés à la télévision par comparaison avec les bandes annonces de cinéma ?”

Résumé éditeur : Ce travail interroge le film-annonce de film de fiction comme genre paratextuel du discours promotionnel. Le film-annonce allie une visée paratextuelle consistant à présenter et à représenter le film à des ambitions pragmatiques tournées vers la plus grande efficience possible. Si, par ses modes de captation, sa tendance à l’hyperbole et au spectaculaire ou encore par ses recours habituels au discours épidictique, aux promesses et à l’ethos, le genre ne diffère guère des autres formes médiatiques de la communication promotionnelle, c’est en tant que paratexte qu’il se singularise. À partir d’une rhétorique constitutive créant des écarts par rapport au film, le film-annonce s’assume comme forme médiatique programmatique communiquant le film. (…)

Série documentaire composée d’entretiens, d’interprétations musicales et d’archives explorant les relations entre musique et cinéma autour de thèmes ou figures différentes : L’Iran (16/11/1971), Maurice Thiriet  (23/11/1971), Jacques Ibert (08/02/1972), etc.

Série documentaire en cinq épisodes, produite par Martine Cadieu et Francis Rousseau, réalisée à base d’archives et consacrée à Visconti et à la relation entre ses films et la musique, aux influences lyriques du cinéastes etc.

Série documentaire produite par Yvan Amar et Gérard Tourtrol, explorant, à partir d’archives, les rapports entre le jazz et le cinéma.

Thèmes : Les Musiciens à l’écran , Films noirs, suspense et tension , La Musique comme personnage, Les Burlesques, etc.

Série documentaire consacrée à l’univers musical et réalisée à base d’extraits de disques et d’archives. Certains thèmes relient la musique au cinéma : Marcel L’Herbier et la musique (16/01/1988), Jean Wiener  (28/04/1990), Lalo Schifrin (21/07/1990), Georges Delerue (04/01/1992), etc.

Emission produite par Philippe Langlois consacrée à l’univers sonore et musical, constituée d’extraits. Plusieurs numéros relient la musique au cinéma : La Musique d’Andrei Tarkovski (03/12/2001), Les Métiers du son au cinéma (17/12/2001), L’Univers sonore de Jacques Tati  (15/02/2002), Le Corps comme instrument de musique dans la comédie musicale  (15/04/2002), La Chanson dans les films de Rohmer (15/07/2002), etc.

L’Embobineur, France Musique, pro Charles Pierre Valliere, 05.09.2007, 8 minutes

Chronique hebdomadaire diffusée le mercredi soir dans l’émission Par ici les sorties en direct depuis les studios de la Maison de la Radio France, L’embobineur est présentée par Charles-Pierre Vallière qui propose la bande-originale de musique d’un film lié ou non à l’actualité des sorties cinématographiques du jour. Après une brève présentation du film et de sa bande-originale de musique, Charles-Pierre Vallière présente le compositeur et analyse son style. Commentaire sur alternance de commentaires et d’extraits d’œuvres musicales.

(Résumé site internet de France Inter) : Chaque jour, une balade enchantée au pays du cinéma : extraits de films, chansons et archives seront au rendez-vous, présentés et racontés par Laurent Delmas avec tous les jours un invité (actrice, acteur, cinéaste, chanteuse ou chanteur) qui proposera aux auditeurs sa programmation de chansons sur grand écran.

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Série consacrée aux métiers du cinéma. Le producteur et présentateur Youri aborde en compagnie de professionnels un métier par épisode : les producteurs, le directeur de production et distribution, le chef opérateur, le monteur, le décorateur et accessoiriste, l’équipe.

153 épisodes, 40 minutes

Emission sur un thème, avec discussion sur un film le plus souvent projeté ; présentation d’un métier du cinéma

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Magazine consacré aux métiers de l’image et du son, produit et réalisé par Jacques Locquin.

Thèmes : Le Décorateur de studio (29/01/1966), Le Cinéaste reporter (09/07/1966), Le Cinémascope à la télévision (13/05/1967), Ponctuation sonore de l’image (24/02/1969), Le Cinéma et la télévision (22/04/1972), etc.

Rencontre avec Georges Rouquier, cinéaste et auteur notamment de Farrebique (et Biquefarre qu’il tournera 38 ans plus tard), qui raconte sa passion pour un certain cinéma.

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Collections d’entretiens produits et conduits par Rébécca Manzoni, qui fait parler des artistes et des professionnels de la culture sur leur métier.

Invités : Alain Chabat, Tony Gatliff, Rithy Panh, Ariane Ascaride, Michael Haneke, Denis Podalydès, Marin Karmitz, Amos Gitaï, Wim Wenders, Manuel Poirier, Pierre Salvadori, etc.

Entretien de Laurence Drummond avec Jean Douchet. Entretien entrecoupé d’archives de cinéma.

Résumé producteur : « Né à Londres le 13 août 1899, mort à Los Angeles le 9 avril 1980, Alfred Hitchcock continue de faire peur, de faire rire et réfléchir : Autrement dit, d’être grave et énigmatique. Avec Jean Douchet, nous interrogeons le climat des entretiens que François Truffaut eut avec Hitchcock dans les années 60 (Le Cinéma selon Hitchcock Ed. Seghers) Comment le maître du suspense s’est-il mis en scène au fil des questions ? De quelle nature sont ses questions ? De quelle nature sont ses réponses, a-t-il expliqué le choix de ses thèmes ? Ces thèmes Jean Douchet analyse leur originalité, leur force d’expression de film en film. Peu à peu s’esquisse l’homme Hitchcock tel que Jean Douchet l’a rencontré et pressenti : L’homme qui en savait trop sur les pièges du conscient et de l’inconscient ; sur leurs lois frustrantes ou salvatrices. »

Série proposée par Serge Toubiana et Nicolas Saada qui fait entendre la série d’entretiens entre Alfred Hitchcock, François Truffaut et, Helen Scott (la traductrice), enregistrée dans les années soixante, série qui a permis à Truffaut de publier son célèbre ouvrage Hitchcock/Truffaut.

Résumé éditeur : Entre 1956 et 1962, Alfred Hitchcock a réalisé vingt films pour la télévision, la plupart dans le cadre des séries qu’il produisait, Alfred Hitchcock présente et The Alfred Hitchcock Hour. Quoique peu commentés jusqu’alors, ceux-ci constituent un fragment essentiel de sa filmographie. Pas seulement parce qu’ils ont contribué à la construction d’un personnage devenu une véritable image de marque et étendu la popularité planétaire du Maître du suspense, mais surtout parce qu’ils ont déployé l’art et les obsessions du cinéaste au coeur d’un médium dont il a su saisir la singularité profonde. Entre la continuation par d’autres moyens de son cinéma et l’invention d’une forme, la télévision de Hitchcock ouvre de nouvelles perspectives au suspense et à la vision du monde et de l’homme qu’il signifie. Phénomène industriel et médiatique, l’ensemble de ces téléfilms mérite une analyse détaillée. Elle fera surgir l’existence d’une véritable théorie hitchcockienne de la télévision. L’oeil du voyeur deviendra un oeil domestique.

Ce livre consacre un chapitre à Hitchcock par le prisme du suspense, en questionnant la qualification d’Hitchcock de maître du suspense.

Chronique de Jean François Kervean autour d’Alfred Hitchcock, son enfance et ce qui l’a porté vers le suspense. Analyse d’une séquence de Jeune et innocent du point de vue de l’installation du suspense. S’ensuit d’un débat en présence de Christophe André, intitulé « Pourquoi aime-t-on avoir peur ? »

Quatre émissions consacrées aux films d’Alfred Hitchcock. La première émission avec la participation de Carole Desbarats porte sur La Mort aux trousses, La deuxième avec la participation de Laurent Van Eynde porte sur Sueurs froides, la troisième avec la participation de Jean Loup Bourget sur Rebecca et la quatrième avec Nicolas Saada porte sur Psychose, questionnant le tournage du film et la maîtrise de la technique pour créer la peur. Des lectures d’archives sonores ponctuent l’entretien.